Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Visita ao complexo termal do Luso, Palácio do Buçaco (exterior) e envolvente.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Ficha Técnica
Direcção e coreografia: Paulo Ribeiro
Intérpretes: Eliana Campos, Leonor Keil, Rita Omar, Gonçalo Lobato, Peter Michael Dietz, Romulus Neagu
Música: Frédéric Chopin (24 Prelúdios), intrepretada por Pedro Burmester.
Desenho de luz: Nuno Meira. Montagem e operação: Cristóvão Cunha. Cenografia, conceito: Paulo Ribeiro. Execução: Paulo Matos, Nelson Almeida.
Produção: Companhia Paulo Ribeiro. Co-produção: Centro Cultural Olga Cadaval, São Luiz Teatro Municipal, Teatro Nacional São João, Teatro Viriato.

Paulo Ribeiro volta à essência. Para o coreógrafo não é o movimento que conta, é a sua génese, não é o coração, é a alma. Já Chopin fazia a apologia da primazia da forma, em detrimento da alma. É neste contra-ciclo, que coreógrafo e compositor se encontram. Em “Maiorca”, que evoca o tenebroso Inverno que Chopin e Georges Sand  viveram na ilha, o coreógrafo cria dança à dimensão da música, provocando o público a deixar-se transportar sem reivindicar a racionalidade, tantas vezes redutora, da razão. Porque, ao fim de 25 anos de criações, o desafio maior para Paulo Ribeiro continua a ser o de tornar a dança uma arte que convoca todos, independentemente das particularidades de cada um.

A Companhia Paulo Ribeiro é uma companhia portuguesa de dança contemporânea, fundada em 1995, na sequência de vários anos de trabalho do coreógrafo Paulo Ribeiro junto de algumas das mais prestigiadas companhias de dança contemporânea europeias.
Nestes catorze anos de actividade (1995-2009), esta companhia conquistou um importante lugar entre as mais reconhecidas companhias de dança contemporânea portuguesas, apresentando-se regularmente nas principais salas de espectáculo nacionais, bem como por toda a Europa, Brasil e Estados Unidos da América.
Com vinte e oito produções realizadas que despertaram sempre o interesse da crítica e do público, soma actualmente mais de três centenas de apresentações, para uma audiência global que ultrapassa as 80.000 pessoas, tendo recebido alguns dos mais importantes prémios nacionais e estrangeiros.
É, desde 1998, a companhia residente no Teatro Viriato, em Viseu, cujo projecto criou e implementou, onde para além da sua actividade de criação, produção e itinerância artísticas, desenvolve ainda um importante projecto pedagógico junto da comunidade local, que inclui aulas regulares de dança e teatro e também projectos específicos para o público escolar, agora também num novo espaço em Viseu – Lugar Presente.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

COMPOSIÇÃO E INTERPRETAÇÃO – Bernardo Sassetti
LEITURA – Beatriz Batarda
PRODUÇÃO – Culturproject

A Menina do Mar é um dos contos mais conhecidos de Sophia de Mello Breyner Andressen.
É a história de um menino que vive na terra e de uma menina que vive no mar. Do seu encontro nasce uma profunda amizade e o desejo de estarem juntos. A menina deseja viver na terra e o menino sonha com o fundo mar. No entanto, surgem obstáculos que proíbem a realização dos seus sonhos. Depois de muitas aventuras, o menino escolhe beber uma poção mágica que lhe permitirá viver para sempre com a sua Menina do Mar.

Como compositor destacam-se as suites “Ecos de África”, “Sons do Brasil”, “Mundos”, “Fragments (Of Cinematic Illusion)”, “Entropé” e “4 Movimentos Soltos”. Discos: “Salsetti” (1994), “Mundos” (1996), “Nocturno” (2002), “Bernardo Sassetti e Mário Laginha” (2003), “Indigo” e “Livre” (2004) , “Motion” (2010). Na música para cinema destacam-se os trabalhos de composição: “Maria do Mar” de Leitão Barros, “Facas e Anjos” de Eduardo Guedes, “Quaresma” de José Álvaro Morais, “O Milagre Segundo Salomé” e “Um Amor de Perdição” de Mário Barroso, “A Costa dos Murmúrios” de Margarida Cardoso, “Alice” e “Como Desenhar Um Círculo Perfeito” de Marco Martins. Como concertista, no tempo presente, apresenta-se em piano solo, em trio com Carlos Barretto e Alexandre Frazão ou em duo com o pianista Mário Laginha.		Tem o BA(Hons)Acting da Guildhall School of Music and Drama em Londres. Em cinema trabalhou com João Botelho, Manoel de Oliveira, Margarida Cardoso, Luís de Galvão Telles, Vicente Jorge Silva, Pedro Caldas, Jeanne Waltz, José Álvaro de Morais, Ivo Ferreira, João Canijo, Mike Dowse, Marco Martins, Thomas Vincent, Erik de Bruyn, Gonçalo Galvão Teles e João Mário Grilo. Em teatro foi dirigida por Luís Miguel Cintra, João Perry, Diogo Dória, Christopher Morahan, Steven Unwin, Joseph Blatchley, Carlos Pimenta, Ana Tamen, Marco Martins, Carlos Aladro, João Lourenço e Rui Mendes. Concebeu os espectáculos “Poesia aos Domingos”, a partir da poesia de Adília Lopes, “A Viagem”, de Sophia de Mello Breyner e “A Fada Oriana”, de Sophia de Mello Breyner. Foi uma das responsáveis pela dramaturgia de Quando o Inverno Chegar, de José Luís Peixoto, encenado por Marco Martins. Em 2010, estreou-se como encenadora com o espectáculo “Olá e Adeusinho”, de Athol Fugard.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Francisco Nunes Correia é Professor Catedrático de Ambiente e Recursos Hídricos do IST. Doutorado pela Colorado State University (EUA) e Agregado pela Universidade Técnica de Lisboa. Investigador, professor e consultor nas áreas do ambiente, recursos hídricos e desenvolvimento regional. Foi autor de 10 livros e mais de 130 artigos, capítulos de livros e outras publicações. Foi Coordenador Nacional do Programa Polis e Presidente do LNEC. Entre Março de 2005 e Outubro de 2010 foi Ministro do Ambiente, do Ordenamento do Território e do Desenvolvimento Regional.

Paulo Fernando da Graça Constantino nasceu em 1970. É licenciado em Economia pelo Instituto Superior de Economia e Gestão/Universidade Técnica de Lisboa (1992). Especialista em Economia Monetária e Financeira em Mestrado do ISEG/ UTL. É porta-voz do proTEJO – Movimento Pelo Tejo e membro de várias entidades locais e regionais, nomeadamente, do Clube Náutico Barquinhense, do Municipio de Vila Nova da Barquinha, da Comunidade Intermunicipal do Médio Tejo e de Instituições Particulares de Solidariedade Social

João Pedro Rodrigues é Engenheiro do Ambiente (FCT – UNL) e tem uma pós graduação em Economia e Política da Energia e do Ambiente (ISEG – UTL). Entre 1999 e 2004, foi membro da Direcção da APEA. Desde 1995 integra o grupo AdP, como Director da Valorsul e,de2005a2009,comomembrodoCAdaEGFeda Valorsul e presidente do CA da Amarsul. Após 2005 foi membro dos CA da Reciclamas, da Aquasis, da AdP – Serviços e da Águas de Moçambique. Desde 2009 preside aos CA da Águas do Mondego (até Março de 2010), Águas do Zêzere e Côa, SIMLIS e SIMRIA.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Coimbra sofreu ao longo do século XIX variadas transformações provocadas pela relação com as águas do Mondego, marcada pela necessidade de defesa contra as cheias, de que são exemplos o alteamento do Largo de Sansão e o convento de Santa Clara-A-Velha. Esta evolução ficou registada por fotografias que serão mostradas e comentadas, atribuídas as suas autorias, justificadas as datações e revelados alguns surpreendentes detalhes dessas transformações.

Alexandre Ramires é professor de Ciências Físico Químicas na Escola Secundária Infanta DaMaria. Professor das cadeiras História da Fotografia e Géneros Fotográficos da Licenciatura em Estudos Artísticos da Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra. Investigador do Centro de Estudos Inter-disciplinares do século X, Ceis20. Fundador e responsável de vários Arquivos de Imagem. Comissário de exposições de fotografia. Membro fundador da APPH – Associação Portuguesa de Photographia. Autor de vários livros sobre História da Fotografia ou com componente de imagem em que esta assume uma dimensão significativa. Investiga os começos da imagem fotográfica em Portugal e a sua aplicação em Coimbra. Encontra-se neste momento a preparar as exposições comemorativas do Centenário da República organizadas pela Universidade de Coimbra.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

1 Present Absentees/Pygmi
2 Today is Better Than Tomorrow
3 Epileptical West
4 En Svensk Brownie
5 Every Woman is a Tree
6 Let’s Tear the Threads of Trust

Composições de Martin Küchen (STIM/NCB) todos os arranjos por Angles

Martin Küchen- saxofone alto
Magnus Broo- trompete
Johan Berthling- contrabaixo
Mats Äleklint- trombone
Alexander Zethan- piano
Kjell Nordeson- bateria

É precisamente nas actuações ao vivo que a música orgânica e quente dos Angles tem mais impacto. Por essa razão, o próximo registo discográfico do sexteto sueco (a editar pela portuguesa Clean Feed) resulta da residência artística que o grupo efectuou na cidade de Coimbra, em Maio de 2009. Durante esta residência, o grupo actuou por três noites consecutivas no Salão Brazil, deixando encantados todos quantos tiveram a oportunidade de assistir a esses momentos de criação (foi considerado pela crítica especializada portuguesa [jazz.pt], como um dos melhores concertos do ano).

A inspiração para as peças apresentadas foi fornecida pela cidade de Coimbra e pelo rio Mondego.Martin Küchen, o saxofonista alto que lidera este sexteto, chamou-lhe “Water Lines”, peças que se desenvolvem ao sabor da corrente, simultaneamente constrangidas (pelas margens subtilmente definidas pelo grupo) e livres (permitindo que os elementos improvisem, estabeleçam novas coordenadas e, portanto, desenhem novas margens). Küchen recorre ao dramaturgo alemão Bertold Brecht para falar sobre as “linhas de água”: Do rio que tudo arrasta se/diz que é violento/Mas ninguém diz violentas as/margens que o comprimem.

Música actual e acessível e, ao mesmo tempo honesta e desafiante, nos Angles encontramos alguns dos mais entusiasmantes instrumentistas da frente escandinava, cada um deles líder dos seus próprios projectos e envolvido numa grande variedade de formações cuja projecção internacional é bem um indicativo da importância conquistada pela cena nórdica do jazz: o trompetista de expressão bop Magnus Broo com os Atomic ou os 4 Corners, o trombonista Mats Aleklint ao lado de Alberto Pinton, Torbjorn Zetterberg ou Fredrik Nordstrom, Mattias Stahl tornado numa das referências obrigatórias do vibrafone a nível mundial, o contrabaixista Johan Berthling com um trajecto que vai do avant-pop dos Tape a parcerias com Sten Sandell e Fredrik Ljungqvist, e Kjell Nordeson impondo-se como um baterista incontornável tanto na Suécia como em San Francisco, cidade americana onde tem a sua segunda casa.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

“The African queen” reúne, em 1951, sob a direcção de John Huston (1906-1987), dois actores que na década de 40 tinham conquistado um estatuto mítico no cinema americano: Humphrey Bogart e Katharine Hepburn. O primeiro, ganharia, com a sua interpretação o único Óscar da sua carreira, num tempo em que a atribuição deste troféu era sinónimo de qualidade cinéfila, a segunda conseguiu uma das suas 12 nomeações para melhor actriz, por 4 vezes vencedoras. Ambos ficariam a dever muito das suas brilhantes criações à desenvoltura, à inteligência, à subtileza, de um diálogo de autoria partilhada entre James Agee e o próprio realizador.

Ficha técnica
The african queen (1951)
Actores: Humphrey Bogart, Katharine Hepburn, Robert Morley, …
Argumento: James Agee, John Huston
Fotografia: Jack Cardiff
Música: Allan Gray
Montagem: Ralph Kemplen
Realização: John Huston

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Lotação limitada. Informações e Reservas, Tel. 239 802 380

Ana Moura, actualmente com 25 anos, sempre gos tou, desde criança, de fazer experiências na cozinha. É a mais velha de 3 irmãs e foi pela mão dos pais que aprendeu a apreciar todo o tipo de comida. Concluiu a licenciatura de Marketing em 2007, no Instituto Superior de Gestão de Lisboa, mas foi na Escola de Hotelaria e Turismo de Lisboa, em 2008, que Ana Moura descobriu a sua verdadeira paixão: a cozinha. Fez o estágio do curso no Restaurante Eleven, em Lisboa, e no final foi convidada para ficar a trabalhar no Restaurante. Por agora, Ana Moura procura ganhar experiência mas nos seus planos para o futuro inclui a vontade de continuar a estudar e aperfeiçoar as artes culinárias, no estrangeiro.

Joachim Koerper, nascido no dia de Natal de 1952, chefe do Restaurante Eleven, em Lisboa, é considerado um dos dez melhores cozinheiros da Península Ibérica, tendo trabalhado em restaurantes que totalizam 14 estrelas Michelin. Em 2002, o seu anterior restaurante (Girasol, em Moraira) foi considerado o melhor de Espanha pelo conceituado guia Gourmetour e em 2005, apenas um ano depois da sua abertura, o restaurante Eleven consegue uma estrela Michelin. Joachim pratica uma cozinha de mercado e de estação, pois aproveita os ingredientes frescos disponíveis em cada dia, em cada época do ano. É uma cozinha de sentidos, pois não se limita a explorar o paladar, pondo também à prova a vista e o olfacto.

O II Festival das Artes de Coimbra, dedicado ao tema “Águas Infindas”, prossegue hoje com um programa diversificado de que se destaca, às 21h00, no anfiteatro Colina de Camões, na Quinta das Lágrimas, o espectáculo “Ondulações Barrocas”, pelo Concerto Köln.

No concerto, que terá uma duração de pouco mais de uma hora, serão interpretadas obras de Handel (Water Music e Water Music II), Dall’Abaco (Concerto em mi menor op. 5 nº3) e Teleman (concerto para flauta e flauta transversal).

«A Concerto Köln foi fundada em 1985 e rapidamente se estabeleceu, até hoje, como uma das melhores orquestras mundiais na restituição das práticas interpretativas do Barroco com uma energia e uma vitalidade que têm vindo a ser universalmente reconhecidas nas suas digressões pela Europa, Estados Unidos da América, Sudeste Asiático, Canadá, América Latina, Japão e Israel», explica a organização.

O grupo tem sido convidado para gravar inúmeras interpretações (num total de meia centena de CD’s) para as mais prestigiadas editoras, designadamente a Deutsche Grammophon, a Harmonia Mundi, a Teldec, a EMI-Virgin Classics, a Capricdo e, mais recentemente, a Berlin Classics, tendo sido galardoada com os mais prestigiantes prémios como sejam o Echo, o Grammy, o Choc de le Monde de la Musique, o Diapason d’Or ou o Diapason do ano.

«Os músicos da Concerto Köln têm sido descritos como “porcos farejantes de trufas” pela forma como, consistentemente, têm reabilitado obras-primas que a história da música tinha esquecido. Os ensaios da orquestra são frequentemente dirigidos por músicos do conjunto, nomeadamente Sylvie Kraus e Werner Matzke.

Para obras como óperas e oratórias, a orquestra tem trabalhado com os mais prestigiados maestros como sejam René Jacobs, Daniel Harding, Evelino Pidò, Ivor Bolton e Emmanuelle Haim», acrescentam os promotores do espectáculo.

O programa de hoje do II Festival das Artes de Entretanto integra a iniciativa “Dos vinhos em volta”, às 11h00, com partida do Hotel Quinta das Lágrimas. Trata-se de uma visita a uma quinta onde os participantes terão contacto com as várias fases do processo produtivo da vinha à prova.

No ciclo do Património está incluída, às 18h00, a iniciativa “Por este rio Arima”, um passeio no Mondego com partida do cais de embarque no Parque da Cidade. O passeio faz-se a bordo do barco “Basófias”, com animação de música jazz (Sofia Vitória 4teto) e um pôr-do-sol “gourmet”.

A sala Aqua da Quinta das Lágrimas continua a receber (22h30) o ciclo de conferências dedicado à água. O tema de hoje “O rosto da água” é apresentado por Viriato Soromenho Marques.

Diário Coimbra, 25-07-2010
PDF

«Um sucesso que ultrapassa todas as expectativas, mesmo as mais optimistas». É assim que a Fundação Inês de Castro avalia a primeira semana do Festival das Artes, que termina no próximo dia 1 de Agosto, com mais uma semana de intensa actividade cultural desenvolvida em volta do tema das “Águas Infindas”.

Todos os momentos deste festival têm tido bastante adesão do público, mas até agora, de acordo com a organização, o «momento mais expressivo» foi o concerto da Orquestra Gulbenkian, regida pela maestrina Joana Carneiro, que levou ao Anfiteatro Colina de Camões, na Quinta das Lágrimas, mais de 1.100 espectadores, «constituindo um momento de magia pura num espaço deslumbrante», refere a organização, num balanço enviado à comunicação social.

No final do concerto, que decorreu sexta-feira, Joana Carneiro afirmou; «não me lembro de alguma vez ter feito um concerto num espaço tão bonito e que verdadeiramente impregnou a forma como fazemos música».

Com uma programação diversificada até 1 de Agosto, o Festival das Artes apresentará ainda, entre outros eventos, a estreia nacional do premiado filme “Oceans” de Jacques Perrin (ver caixilho), um concerto de António Pinho Vargas (dia 28, pelas 21h00), o filme “A Rainha Africana” de John Huston (dia 29, às 21h30), um espectáculo de jazz pelo sexteto nórdico “Angles” (dia 30, pelas 21h00), a “A Menina do Mar”, de Sofia de Mello Breyner, narrada por Beatriz Batarda, com música original tocada por Bernardo Sassetti (dia 31, às 21h30) e a coreografia “Maiorca” acompanhada dos vinte e quatro prelúdios de Chopin, tudo no anfiteatro Colina de Camões.

Destaque ainda para os jantares gastronómicos de Santi Santamaria, detentor do sete estrelas Michelin em quatro restaurantes em Espanha e o mais antigo chefe que alcançou três estrelas na Península Ibérica, que também estará amanhã em Coimbra para uma sessão gastronómica – “Santificados manjares” – que decorrerá, a partir das 20h00, no Hotel Quinta das Lágrimas, Relais e Châteaux.

Joachin Koerper, considerado um dos melhores cozinheiros da Península Ibérica, estará, juntamente com Ana Moura, chefe com uma estrela Michelin no Restaurante Eleven em Lisboa, a partir 20h00 do dia 29 também na Quinta das Lágrimas para uma sessão “Com Água na Boca (II)”.

Diário Coimbra, 26-07-2010
PDF

RTP2 / Diário Câmara Clara, 27-07-2010
Jornalista: Inês Santos

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

A. P. VARGAS – Águas matinais da Holanda 1986-87 (a)
A. P. VARGAS – Quedas de água (com lágrimas) 1980-81 (a)
DEBUSSY – Reflets dans l’eau (de Images I) – 1905 (b)
BERIO – Wasserklavier – 1965 (b)
STOCKHAUSEN – Pischis & Aquarius (de Tierkreis)
LIGETI – Arc’en ciel – 1983/85 (b)
A. P. VARGAS – Liszt em Bellagio (de Holderlinos) – 2001 (b)
A. P. VARGAS – Em cada semana (Ária da ópera Outro fim) – 2009 (b) + (c)
A. P. VARGAS – 4 ou 5 movimentos fugidios de água – 2001 (b) + (d) + (e)

O formato da carta branca que presidiu ao convite para este concerto e temática da água permitiu entrecruzar duas vertentes: uma parte do meu percurso musical, começando com duas peças compostas para os meus grupos de jazz dos anos 80 e terminando com três obras compostas a partir de 2000; e uma breve, mas eloquente, panorâmica de música para piano do século XX. Em qualquer deste dois eixos manifesta-se a atracção dos compositores por vários aspectos relacionados com a água, com os seus reflexos, com os seus movimentos, com a sua associação com o choro humano. Mas, acima de tudo, com o forte poder metafórico que nos atrai, nos motiva e simultaneamente nos liberta.
António Pinho Vargas

Sónia Alcobaça é licenciada em Canto pela ESML, trabalha actualmente com a professora Elena Dumitrescu-Nentwig. Das suas actuações há a destacar: La voix humaine (Poulenc, Cocteau), Nedda (I Pagliacci/ Leoncavallo), Condessa d’Almaviva (As Bodas de Figaro/Mozart) Carmela (La Vida Breve/Falla), Sainte Marguerite (Jeanne d’Arc au bûcher/Honegger), Micaela (Carmen/Bizet), Mulher (Outro Fim/A. Pinho Vargas); Gutrune (Die Götterdämmerung/ Wagner), Despina (Così fan tutte/Mozart). Em 2009 apresentou-se no Ciclo Novos Intérpretes da Gulbenkian com o maestro João Paulo Santos e, nos “Dias da Música” de 2010 no CCB, integrou o quarteto de solistas da 9a Sinfonia de Beethoven, com a Orquestra Metropolitana de Lisboa.

Miguel Henriques estudou nos Conservatórios de Lisboa e Porto e estagiou durante dois anos no Conservatório Tchaikovsky em Moscovo, na classe de Gleb Akselrod, como bolseiro do Estado Soviético e da Fundação Gulbenkian. Obteve ainda o diploma de Mestrado em Piano Performance da Universidade do Kansas, na classe de Sequeira Costa. Complementarmente, desenvolveu estudos nas áreas de Musicologia, Estética, Composição, Direcção coral e instrumental, Expressão Dramática, e Metodologia da execução pianística. Desde o seu regresso a Portugal, em 1987, que desenvolve intensa actividade de divulgação e promoção cultural. Miguel Henriques ocupa, desde 1990, o cargo de Professor de Piano da Escola Superior de Música de Lisboa.

António Pinho Vargas é compositor, músico, ensaísta. Licenciado em História pela Faculdade de Letras da Universidade do Porto, Professor de composição na Escola Superior de Música de Lisboa e investigador do Centro de Estudos Sociais da Universidade de Coimbra. Publicou os livros Sobre Música: ensaios, textos e entrevistas (Afrontamento, 2002) e Cinco conferências sobre a história da música do Século XX (Culturgest, 2008). Gravou 8 discos de jazz como pianista e compositor e 4 discos monográficos. Compôs 4 óperas, 1 oratória, 9 peças para orquestra, 8 obras para ensemble, 18 obras de câmara, 7 obras para solistas e música para 5 filmes. Podem destacar-se as óperas Édipo, Tragédia do Saber (1996), Os Dias Levantados (1998), Outro Fim (2008), os quartetos de cordas Monodia, Quasi um Requiem (1993) e Movimentos do Subsolo (2008), as obras para orquestra Acting Out (1998), A impaciência de Mahler (2000), Graffiti (just forms) (2006), Six Portraits of Pain, para violoncelo e ensemble (2005) e Um discurso de Thomas Bernhard para narrador e orquestra (2007).

(a) António Pinho Vargas, piano (b) Miguel Henriques, piano (c) Sónia Alcobaça, soprano (d) Ana Maria Santos, clarinete (e) Carlos Gomes, violoncelo

“Um dos mais belos e exigentes recitais da temporada”

(in Jornal de Letras, Artes e Ideias, 16.06.10)

Entre as obras de António Pinho Vargas que iniciam e as que concluem o programa, o compositor presta uma homenagem pianística a 3 das maiores figuras da criação musical da segunda metade do século XX: György Ligeti (1923-2006), Luciano Berio (1925-2003) e Karlheinz Stockhausen (1928-2007).

Três trajectórias com uns quantos paralelismos, intersecções e vizinhanças assinaláveis: desde logo, numa perspectiva meramente cronológica, a proximidade das datas de nascimento e de morte. Mas, artisticamente mais relevante é, certamente, a sua activa participação, para não dizer doutrinação, nos anos de ouro dos Cursos Internacionais de Verão de Darmstadt, onde pontificavam não só a nata das vanguardas do pós guerra (Bruno Maderna, Iannis Xenakis, Luigi Nono, Pierre Boulez, todos nascidos também nos anos 20) mas também os já consagrados Edgar Varèse, Olivier Messian e John Cage.

Ligeti, Berio e Stockhausen também têm em comum o activo interesse manifestado nos anos 50 pela música electrónica: Stockhausen vai, em 1953, trabalhar no estúdio da NWDR em Colónia, onde Ligeti irá ao seu encontro, Berio funda com Bruno Maderna, em 1955, o Studio di Fonologia em Milão.

A partir dos anos 60 os seus percursos ganham maior autonomia, não sem que estas etapas comuns deixem de se reflectir, de forma mais ou menos perceptível, na continuação da sua obra. Mas Ligeti, Berio e Stockhausen continuam a ter em comum essa flutuação à tona de água na conquista do gosto do público em geral (para quem, obviamente, a música é escrita).

Haverá certamente, entre as pessoas que, nesta noite, estarão na Quinta das Lágrimas, quem ainda se recorde dessa quinzena de 1972 em que, na Gulbenkian, foram apresentadas 10 obras de Berio, dos auditórios cheios, dos aplausos entusiásticos à Sinfonia cantada por The Swingle Singers e, sobretudo, a esse Recital (for Cathy) encomendado pela mesma Gulbenkian e vivido na voz da divina Cathy (Berberian) com o próprio Berio a dirigir a London Sinfonietta.

Outras pessoas presentes haverá que, já quantas vezes, ouviram e voltaram a ouvir, sempre com emoção, a música de Ligeti que Stanley Kubrick usou (ao que consta, sem autorização do compositor) para o seu 2001: odisseia no espaço. E Stockhausen é um compositor cujo mediatismo só não chega ao chamado “grande público” porque a desmesura dos seus projectos – por exemplo, as 7 óperas que, entre 1977 e 2003, escreveu sob o título Licht: die sieben Tage der Woche (Luz: os sete dias da semana) dificulta a sua disseminação alargada.

Não é por acaso (António Pinho Vargas nada faria ao acaso) que a evocação destas 3 figuras maiores da história da música da segunda metade do século XX seja precedida por uma obra de Debussy. A sua escolha tem o valor simbólico de contribuir para que nunca se esqueça que sem o processo, empreendido por Debussy, de desconstrução do conceito de música herdado imediatamente do romantismo, a história da música do futuro teria sido presumivelmente diferente. Teria sido, talvez, também aventurosa, também empolgante, também redentora. Mas não teria sido a mesma coisa.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Este documentário de Jacques Perrin (2009), foi realizado em parceria com a Agência Espacial Europeia, que com os seus satélites captou imagens magníficas que mostram não só a beleza dos oceanos mas, também, a sua destruição. “Océans” revela os segredos da profundidade dos oceanos e para conseguir estas imagens, únicas e surpreendentes, Perrin passou vários anos em filmagens, acumulando centenas de horas de vídeo que deram origem a esta obra-prima.

Através deste documentário, Jacques Perrin pretende despertar a consciência dos cidadãos de todo o mundo para a destruição dos oceanos.

Com estreia no Japão, em 2009, “Océans” só chegou este ano a alguns países europeus, como França, Alemanha, Suiça e Itália, entre outros.

Ficha técnica
Océans (2009)
Argumento: Jacques Cluzaud, Laurent Debas, Stéphane Durand, Laurent Gaudé, Jacques Perrin, François Sarano
Fotografia: Luc Drion, Philippe Ros, Luciano Tovoli
Música: Bruno Coulais
Montagem: Catherine Mauchain, Vincent Scmitt
Realização: Jacques Perrin

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros

CONTADORES
Helena Faria, Joana Rita, José Geraldo, Mariana Ferreira e Pedro Correia.

Estórias para inundar os sonhos. Para provocar a imaginação. Nada melhor do que meia dúzia de contos para nos deixar a cabeça a borboletear. Nada melhor que a palavra para nos passar uma rasteira bem rasteirinha que nos leva com o nariz até ao pó do chão do lado invisível da terra.

A Camaleão – Associação Cultural é uma associação sem fins lucrativos, sedeada em Coimbra, que tem produzido e apresentado espectáculos de teatro, música, poesia e exposições formações associadas às artes performativas. Desde 2002, desenvolve um trabalho sistemático na área da narração oral.

Ficha Técnica
Contadores: Helena Faria, Joana Rita, José Geraldo, Mariana Ferreira e Pedro Correia.

Duração da sessão
45 minutos

Classificação Etária
M/3 anos

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Santi Santamaria é um prestigiado chefe catalão,
nascido em Sant Celoni, que trouxe ao universo gastronómico uma interpretação moderna da cozinha tradicional catalã, utilizando os ingredientes mais frescos do Mediterrâneo.
Em 1981, abre o restaurante Can Fabes, actualmente detentor de 3 estrelas do Guia Michelin e que faz parte da rede Relais & Châteaux e da associação Traditions & Qualité, Les Grandes Tables du Monde. Em 2000, foi considerado o melhor restaurante de Espanha pelo Guia Michelin, recebendo quatro garfos vermelhos. No ano 2000, abre o Restaurant Santceloni, em Madrid, que recebe a sua primeira estrela Michelin no ano seguinte e a segunda quatro anos depois. O seu terceiro restaurante encontra-se localizado em Barcelona, no topo da torre Hesperia. O restaurante Evo, foi projectado pelo arquitecto Lord Richard Rogers e inaugurado em 2006. Em menos de um ano, o Evo recebe, também, uma estrela Michelin. Em 2007, Santamaria abre o seu quarto restaurante em Espanha, o Tierra, no Valdepalacios Hotel Gourmand (Relais & Châteaux).
Em 2009, o Guia Michelin concede-lhe um total de sete estrelas – três para o restaurante Can Fabes, duas
para o Santceloni, uma para o Evo e uma para o Tierra. É o mais alto reconhecimento feito pela Michelin a um chefe espanhol. No mesmo ano, Santamaria abre o seu primeiro restaurante fora de Espanha, o Ossiano, no Atlantis em Palm Island, uma ilha criada artificialmente no Dubai (Emirados Árabes Unidos).
Santi Santamaria tem vários livros publicados, dos quais se destacam: La cuina de Santi Santamaria, L’ètica del gust, El món culinari de Santi Santamaria, El gust de la diversitat e El restaurant.

A Orquestra Metropolitana de Lisboa e o coro sinfónico Lisboa Cantat apresentam hoje, no Festival das Artes “Águas Infindas”, o espectáculo “Cantos à tona d’água”.

“Cantos à tona d’água” é o título escolhido para um «programa especial, composto por diversas obras com uma referência comum à água, ao mar, aos cursos das emoções que nela desaguam», explicou fonte da Metropolitana.

O concerto realiza-se no anfiteatro ao ar livre Colina de Camões, na Quinta das Lágrimas, às 21h00, voltando a Metropolitana a trabalhar com o Coro Lisboa Cantat sob a direcção do maestro Cesário Costa. O concerto é constituído por oito peças, incluindo excertos de óperas como a “Dança dos Espíritos Benditos”, de “Orfeu e Eurídice”, de Christoph von Gluck, ou o coro dos escravos hebreus, “Va, pensiero”, de “Nabucco” de Giuseppe Verdi. Integram ainda o programa a cantata “Mar calmo e viagem próspera” (Opus 112), de Ludwig van Beethoven, o “Canto dos espíritos sobre as águas” (D. 714)1 de Franz Schubert, a valsa “Danúbio azul” (opus 314) de Johann Strauss, filho, e o quarto andamento (Adagjetto) da 5ª Sinfonia de Gustav Mahler.

Completam o programa a “Barcarola” da ópera “Os contos de Hoffinann” de Jacques Offenbach, e coro dos marinheiros da ópera “Madama Butterfly”, de Giacomo Puocini.

Entretanto ainda à noite (22h30), tem lugar na Sala Aqua, da Quinta das Lágrimas, a conferência “Aguas Mil”, por Jorge Calado. Mas a programação de hoje do Festival das Artes arranca logo pelas 11h00, no Parque Verde do Mondego, com a iniciativa “Regata de barcos-dragão” (barcos tradicionais chineses), uma organização da Câmara Municipal de Coimbra, Fundação Inês de castro/Festival das Artes e Associação Naval Amorense. Ao fim da tarde (17h00) no Museu da Agua, no Parque Dr. Manuel Braga, é inaugurada a exposição “Valsamar”. Trata-se de uma instalação de António Barros «em diálogo com um texto de José Tolentino Mendonça», refere a organização. A mostra estará patente até 1de Agosto, de terça-feira a domingo, das 10h00 às 13h00 e das 14h00 às 18h00. Entrada livre.

O ciclo do Património destaca ainda hoje, às 18h00, “Por este rio Acima”, iniciativa que propõe um passeio no Mondego, com partida do cais de embarque no Parque da Cidade. O passeio faz-se a bordo do barco “Basófias”, com animação de música jazz (Jazz Duo) e um pôr-do-sol “gourmet”. A duração prevista é de 50 minutos, e tem lotação limitada – informações e reservas através do telefone 239802380 ou pelo e-mail [tcostaneves@gmailcom].

O festival, que decorre até 1 de Agosto, abriu sexta-feira com um concerto da Orquestra Clássica do Centro, acompanhada pelo Coro dos Antigos Orfeonistas da Universidade.

Diário Coimbra, 18-07-2010
PDF

Jornal de Leiria, 22-07-2010
PDF

Jornal Notícias, 25-07-2010
PDF

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

A água é talvez o mais enigmático dos quatro elementos, pela sua versatilidade simbólica e pela infinidade de usos na esfera prática. A civilização humana não começou com a escrita, mas com as primeiras formas irrigação na Mesopotâmia. Mas é na água, como entidade terapêutica, se recuperam as forças do corpo, como é também na travessia das águas que se assinalam metamorfoses do espírito e da consciência.

Viriato Soromenho Marques
É professor catedrático na Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, leccionando nos cursos de Filosofia e Estudos Europeus. Iniciou uma actividade no movimento ambiental em 1978, tendo presidido à Quercus entre 1992 e 1995. Integrou o Conselho Económico e Social (1992-1996). É membro do Conselho Nacional do Ambiente e Desenvolvimento Sustentável desde Maio de 1998. Foi vice-presidente da rede europeia de conselhos de ambiente (European Environmental Advisory Councils), entre 2001 e 2006. Coordenador científico do Programa Gulbenkian Ambiente, desde Fevereiro 2007. Integra o Grupo de Alto Nível que aconselha o Presidente da Comissão Europeia no binómio da Energia/Alterações Climáticas, desde Março de 2007. É membro correspondente da Academia de Ciências de Lisboa, desde Abril de 2008. É Grande-Oficial da Ordem de Mérito Civil (1997) e da Ordem do Infante D. Henrique (2006). É autor de mais três centenas de estudos abordando temas filosóficos, político-estratégicos, e ambientais.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

18 de Julho
Jazz Duo
Beatriz Portugal – Voz Nuno Ferreira – Guitarra

25 de Julho
Sofia Vitória 4teto
João Custódio – Contrabaixo Júlio Resende – Piano Bruno Pedroso – Bateria Sofia Vitória – Voz

Descobrir os encantos de Coimbra num percurso ao longo do rio, a bordo do barco “O Basófias”, embarcação vinda de França e especialmente construída para a navegação no rio Mondego, a operar desde 1993. Actuação ao vivo de músicos de jazz.

Beatriz Portugal (Vx)
Do ano de 2009 destaca a gravação num album do Compositor e músico VíTOR RUA, a gravação de dois temas com os compositores e músicos JOHNWAYNES e a criação do projecto INEFABLE, duo com o guitarrista Rui Figueiredo. É actualmente aluna do curso de jazz da Escola Superior de Música de Lisboa, dirigido pelo Professor Pedro Moreira. Tem participado como cantora em diversas formações de jazz, nas quais teve o privilégio de tocar com músicos como Bruno Pedroso (Bt), Bruno Pernadas (Gt), Carlos Barreto (Ctbx), Filipe Rocha (Ctbx), Hugo Antunes (Ctbx), João Custódio (Ctbx), João Rijo (Bt), Nelson Cascais (ctbx), Nuno Ferreira (Gt), Paula Sousa (Pn), Nuno Reis (Tp), Rui Alves (Bt) e Vasco Agostinho (Gt). Destaca o duo SWEET PUNK & JAZZ c/ Nuno Ferreira. Tem participado também como vocalista em diversos projectos musicais, nomeadamente Colectivo109 (projecto de Djs), Cartoon Orchestra (projecto musical e performativo), Sonda25 (Jazz fusão), Reevelbrix (Reggae), Womucoba (world) e Taberna Revisitada (fusão fado). Em 2008 gravou em estúdio clássicos com conceituados músicos de jazz, realizou concerto em Belgrado com músicos Sérvios e participou no “Rock in Rio Lisboa” com o coro de gospel FaithGospelChoir. Foi actriz convidada do Teatro da Garagem no espectáculo “Teatro-Clip” de Carlos J.Pessoa, aclamado pela crítica especializada. No contexto do teatro e da performance-art trabalhou anteriormente com Duarte Morgado (ESJE), Christine Villepoix e José Filipe Pereira (ACAV), Rui Madeira (Teatro Circo Braga), Jorge Listopad (Teatro da Universidade Técnica), Carlos J. Pessoa (Coimbra Capital da Cultura e Teatro da Garagem), Inês Vicente (ESMAE), José Manuel Castanheira (PRODEP), Maria João Brilhante (Centro de Estudos de Teatro), André Lepecki (New York University), Diana Taylor (NYU) e Richard Scheckner (NYU), entre outros. É licenciada e exerceu arquitectura paisagista (ISA), formação a partir da qual tem procurado estudar a questão do espaço na performance – projecto de investigação sobre espaço teatral de exterior (ERASMUS – Berlim), projecto de Land Art (ELEE – Velp, Holanda). Fez mestrado em Estudos de Teatro (FLUL), tendo como tema de investigação “O Espaço na Performance Site-specific”. No contexto da sua formação em “Estudos de Teatro” foi bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian (2004), no departamento de Performance Studies – NYU. Nesse período frequentou alguns dos míticos clubes de jazz nova-iorquinos tendo participado de masterclass na BlueNote com o pianista Chick Corea. Trabalha desde 2002 como produtora de eventos musicais e performativos sob a marca Cefalópode.
+ info: www.myspace.com/beatrizportugal

Nuno Ferreira (gt)
Concluiu em 1994 o curso da Escola de jazz do Hot Clube de  Portugal (HCP), onde viria a leccionar (1996). Enquanto  finalista deste curso é convidado para participar no  encontro anual da IASJ (International Association of Schools  of Jazz) que teve lugar em Nova Iorque, onde actuou no  conceituado JVC Jazz Festival. Entre 1995 e 1998 lidera um  quinteto, com repertório original, que actua nos festivais  de Jazz de Évora, Marinha Grande, Loures, Loulé,  Matosinhos, Palência (Espanha), ‘Jazz em Agosto’ (Fundação  Gulbenkian), ‘Non-Stop Jazz’ (Lisboa), Expo 98, Teatro  S. Luiz e inúmeros clubes de jazz. Este grupo marca o início  da sua colaboração com dois dos mais talentosos jovens músicos  de Espanha – o saxofonista Jesus Santandreu e o pianista  Albert Sanz. Actua frequentemente como freelancer em  Portugal, Espanha e nos Estados Unidos, com diferentes  grupos, destacando-se colaborações com Bernardo Moreira,  Marcello di Leonardo, Paul Gill, Nelson Cascais, Carlos  Barretto e Jesus Santandreu. Participa nos programas  televisivos ‘Ouvir e Falar’ de António Victorino  D’Almeida e ‘Fórum musical’. Em 1998 muda-se para  Nova Iorque, onde é bolseiro da ‘New School – Jazz and  Contemporary Music Program’ completando a sua licenciatura  em Maio de 2000. Em Maio de 2000, ainda em Nova Iorque,  grava o seu primeiro disco para a editora ‘Fresh Sound -  New Talent’ no qual participam Albert Sanz, Kris Bauman,  Alexis Cuadrado e Jochen Rueckert. O seu mais recente  álbum, pela TOAP, intitula-se “À espera do  Verão”.  (fonte: jazzportugal  )
+info: www.jazzportugal.ua.pt -  www.toapmusic.com

JAZZ DUO: Beatriz Portugal e Nuno Ferreira
A musicalidade de uma criativa e sábia guitarra dialoga com uma voz suave e plena de teatralidade. Numa crescente cumplicidade musical estes dois musicos reinterpretam clássicos de jazz trazendo-os de forma intimista para a partilha calorosa com o publico. Em palco, swing despido generosamente oferecido.

Alguns temas do repertório:
You’d be so nice to come home to
Soon
Isn´t it Romantic
There will never be another you
Do nothing till you hear from me
All or nothing at all
I´ll be seeing you
I fall in love too easily
It´s all right with me
All of me
Everytime we say goodbye
Stella By Starlight
Tenderly
My Funny Valentine
All the things you are
Gentle rain
Samba e Amor
Etc…

Sofia Vitória 4teto
Resulta do encontro do pianista Júlio Resende com a cantora Sofia Vitória, a quem se juntam João Custódio, no contrabaixo, e Bruno Pedroso, na bateria. Desde Agosto de 2007, esta formação tem exibido e feito arranjos originais de temas de autores como Richard Rodgers e Lorenz Hart, José Afonso, Chico Buarque e Edu Lobo, Jule Styne e Sammy Cahn, George Gershwin, Billie Holiday, Tom Jobim, entre outros. Sofia Vitória é já uma notável intérprete da nova geração, e as canções ganham, de facto, outra alma na sua voz!

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Com uma história que remonta aos anos 30 do século passado, a Quinta do Encontro, possui uma afamada tradição de vinhos da região da Bairrada. Os vinhos são caracterizados por um estilo moderno, actual e atractivo para os exigentes enófilos, e que resultam dos 20 hectares de vinhas próprias, composta por diversas castas, como o Bical, Maria Gomes, Arinto, Touriga Nacional, Merlot e Baga.

Mas não é apenas a matéria-prima que determina o corpo e aroma de um produto báquico. As tecnologias de vinificação, as diversas fases de fabrico e de armazenamento são fundamentais para a qualidade e para o futuro sucesso. Foi para responder a essa necessidade que em 2005, a Dão Sul, deu início a uma nova adega, erguendo um edifício contemporâneo e inovador. O arquitecto inspirou-se numa barrica de vinho, para construir a forma cilíndrica do edifício, e no interior está bem patente a forma de espiral entre os diferentes pisos, fazendo lembrar um saca-rolhas.

O Enoturismo serve para dar a conhecer aos visitantes toda a cultura vínica, através do restaurante, da loja de vinhos, da sala multiusos, ou em diferentes experiências vínicas, como as provas de vinhos, os cursos de cozinha e de vinhos, as reuniões empresariais ou as agradáveis e informais visitas guiadas.

Conheça a nossa paixão pelos vinhos e Gastronomia.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

A importância simbólica e o valor estético da água são um elemento recorrente de todas as civilizações que, ao longo dos séculos, manipularam com grande perícia a água em jardins e paisagens. A evolução científica, permitiu evoluções surpreendentes na concepção de projectos de arquitectura paisagista, revelando técnicas e sabedorias milenares, em que entroncam os jardins portugueses, entrançando-se conhecimentos “destilados” de várias origens.

Cristina Castel-Branco é Arquitecta Paisagista (1985) pelo Instituto Superior de Agronomia. Bolseira Fullbright–ITT, Master in Landscape Architecture pela Univ.de Massachusetts, prosseguindo estudos na Univ. de Harvard. Doutorou-se (1993) e fez a Agregação (2006) no ISA, onde é Professora desde 1989. Restaurou e dirigiu o Jardim Botânico da Ajuda e como projectista (atelier ACB, desde 1990) tem obras premiadas, em Portugal e no estrangeiro. A sua criatividade tem usado a água em fontes, lagos e obras de arte. Membro Internacional do ICOMOS (UNESCO), fundou e presidiu à Associação Portuguesa dos Jardins e Sítios Históricos. É Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres (França 2005).

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

ORGANIZAÇÃO
CMC Departamento de Cultura/ Divisão de Acção Cultural e Festival das Artes

Percurso pedonal por artérias menos exploradas da Alta Coimbrã, promovendo e valorizando o património local com destaque para o contexto histórico, arquitectónico e sócio-cultural da cidade. Ao percurso juntam-se apontamentos cénicos específicos sobre personalidades literárias ligadas à cidade e antigos estudantes, com destaque para Eça de Queirós, António Nobre e Miguel Torga.

PRODUÇÃO ARTÍSTICA
Casa da Esquina.
CRIAÇÃO E INTERPRETAÇÃO
Ricardo Correia, Helena Freitas e Carlos Marques
INTERVENÇÃO PLÁSTICA
Filipa Alves

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Créditos: Poema da autoria da espectadora Maria Adelaide Calado

CHOPIN – Balada no3, em lá bemol, op.47 – 1840-41
LISZT – Au lac de Wallenstadt (Années de pèlerinage, 1o ano, no2) – pub: 1855
LISZT - S. Francisco de Paula caminhando sobre as ondas (Légendes, no1) – 1863
LISZT - Les jeux d’eau à la Villa d’Este (Années de pélérinage, 3o ano, no4) – 1877
RAVEL - Jeux d’eau – 1901
RAVEL - Une barque sur l’océan (Miroirs no3) – 1906
RAVEL – Ondine (Gaspard de la nuit, no1) – 1908
DEBUSSY – Jardins sous la pluie (Estampes, no3) – 1903
DEBUSSY - Ce qu’a vu le vent d’Ouest (Préludes, 1er livre, no7 – 1910
DEBUSSY – La cathédrale engloutie (Préludes, 1er livre, no10) – 1910
DEBUSSY – L’Isle joyeuse – 1904

Etsuko Hirosé, piano

O piano é omnipresente na obra de Fryderyk Chopin (1810-1849), mesmo quando acompanhado por orquestra, acompanhante da voz ou parceiro na música de câmara. Mas é, sobretudo, quando o instrumento é íntimo confessor do pensamento musical do compositor polaco que ele inscreve na história da música algumas das mais geniais amostras da poesia chopiniana. Exímio miniaturista, espalha esse talento por uma grande diversidade de formatos (Nocturnos, Estudos, Baladas, Scherzi, Polonaises, Prelúdios, Valsas, Impromptus, solitárias Berceuse e Barcarolle, …). É Chopin que introduz a balada no reportório instrumental, depois de cerca de 8 séculos de associada à música vocal. A terceira das quatro baladas que nos legou, é escrita num período particularmente fecundo (1840-41). Embora não se possa, em rigor, atribuir à balada op.47 um conteúdo programático determinante da composição, não se deverá escamotear a fonte de inspiração na lenda lacustre em que uma mulher, para testar a fidelidade do noivo se transforma numa ondina a cujas encantos ele cede, morrendo afogado no lago.

Na obra de Franz Liszt (1911-1986), insistentemente percorrida pelos contrastes entre a desabrida sensualidade e o fanatismo místico, temperados pelo fascínio pela natureza, é também o piano que, em geral, acolhe as suas mais audaciosas conquistas formais, harmónicas e melódicas. As descrições musicais que a sua experiência de viajante lhe sugerem, percorrem 4 décadas (1837-1877) do seu labor criativo, reunidas nos 3 volumes de “Années de Pèlerinage””. Postais sonoros da Suiça (“Au lac de Wallenstadt”) e de Itália (“Les jeux d’eau à la Villa d’Est”) que este concerto ilustra como o melhor do sua mestria no domínio técnico da escrita pianística, também reconhecível na sua transcrição para o imaginário sonoro da lenda de São Francisco de Paula caminhando sobre as ondas.

Claude Debussy (1862-1918) começa a cavar a sepultura do romantismo com o “Prélude à l’après-midi d’un faune”, estreado em 1894, que prossegue com o questionamento e reformulação do conceito de ópera com “Pelléas et Mélisande”, concluída em 1985 mas só estreada em 1902. São, portanto, obras da plena maturidade da (r)evolução estética de debussyista, as que se ouvem neste concerto: “Jardins sur la pluie” (1903), “L’isle joyeuse” (1904) e dois dos “Préludes” (do primeiro livro que publica em 1910), nos quais, às suas inovações passadas – em termos de exploração de novas sonoridades, de volatilidade rítmica, de requinte harmónico e sofisticação melódica – acrescenta a fantasia poética e o apelo sensorial de quem (especule-se!) estaria a pensar que, cumprida a missão de apontar o futuro, haveria que prestar uma justa homenagem ao passado.

São também da primeira década do século XX as obras que se ouvem neste concerto da autoria de Maurice Ravel (1875-1937). Devedor a Liszt e a Debussy da inspiração das suas primeiras obras relevantes, sintetiza essa herança em “Jeux d’eau” de 1901, acrescentando-lhe uma cintilante imaginação poética no uso do refinamento harmónico, da cristalinidade das sonoridades, também reconhecíveis na fluidez ondulante de “Une barque sur l’océan”. A composição de “Gaspard de la nuit” pertence a um período (1905-1910) em que Ravel enriquece a literatura da música para piano com algumas das mais incontestáveis obras-primas (“Sonatine”, “Miroirs”, “Ma mère l’Oye”), de que é especialmente bem ilustrativa a prodigiosa escrita de “Ondine”

Etsuko Hirosé nascida no Japão, inicia os seus estudos de piano com 3 anos de idade e, aos 6 anos, interpreta o concerto no26 de Mozart. Depois de lhe ser atribuído, por unanimidade, o diploma da École Normale de Musique de Paris, ingressa no CNSMD de Paris e, em 1999 obtém, por unanimidade, o 1o prémio de piano e o Prémio Daniel Magne. Mais recentemente teve o privilégio de tocar para Alfred Brendel. Laureada dos concursos internacionais de Viotti, ARD München, obteve o 1o prémio do concurso Martha Argerich, o qual marca o ponto de partida da sua carreira de solista. Actuou, designadamente, no Herkulessaal em Munique, no Teatro Cólon em Buenos Aires, no Suntory Hall em Tóquio e tem colaborado com orquestras como a Orchester des Bayerischen Rundfunks, Orpheus Chamber Orchestra, Tokyo National Orchestra, NHK Symphony Orchestra e com maestros como Charles Dutoit e Marcello Viotti. Tem estado presente em numerosos festivais, nomeadamente, La Roque d’Anthéron, La Folle Journée, Festival Chopin de Paris, Festival Martha Argerich, Festival Radio Classique, entre outros.
As suas interpretações são regularmente difundidas pela Arte, France Musique e Radio Classique. Gravou 4 discos para a Denon e o seu primeiro disco para a Mirare, consagrado a Chopin, foi publicado em Fevereiro de 2010.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Helena Freitas nasceu em 1962. É licenciada em Biologia pela Universidade de Coimbra (1985) e doutorada em Ecologia pela mesma Universidade. Em 1994/95 realizou um pós-doutoramento em Ecossistemas Mediterrânicos pela Universidade de Stanford. É Professora Catedrática de Ecologia na Universidade de Coimbra e Directora do Jardim Botânico da mesma Universidade. Foi Presidente da Liga para a Protecção da Natureza entre 1999 e 2002 e primeira Provedora do Ambiente e Qualidade de Vida de Coimbra. É actualmente Presidente da Sociedade Portuguesa de Ecologia e Vice-Presidente da Federação Europeia de Ecologia.

Francisco Manso nasceu em 1973. É licenciado pelo Instituto Superior de Agronomia de Lisboa. É Responsável pelo desenvolvimento e implementação de sistemas de gestão eficiente de água. Ganhou em 2010 o primeiro prémio num concurso internacional de inovação na categoria de gestão e eficiência de água Living-Labs Awards. É membro de duas sociedades de conservação de recursos onde em colaboração com o ISA e IST, desenvolve trabalho de investigação.

Nelson Carlos Geada de Sousa nasceu em Moçambique em 1951. É licenciado em Engenharia Civil – Hidráulica, pela Universidade de Coimbra e frequentou o curso de pós-graduação em Engenharia Sanitária na Universidade Nova de Lisboa. Foi Director Regional do Ambiente e Recursos Naturais da Região Centro e Chefe de Gabinete da Ministra do Ambiente Profa Elisa Ferreira. Desde 1999 que exerce funções de Administração em empresas do grupo Águas de Portugal, sendo actualmente presidente do CA da Águas do Mondego SA.

Rui Ferreira dos Santos nasceu em 1962. É Licenciado em Economia pela Universidade Católica Portuguesa, Mestre em Investigação Operacional e Engenharia de Sistemas pelo Instituto Superior Técnico e Doutor em Engenharia do Ambiente (ramo Economia do Ambiente) pela Universidade Nova de Lisboa. É Professor Associado da Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade Nova de Lisboa e Coordenador do Grupo de Economia Ecológica e Gestão do Ambiente do CENSE (Centro de Investigação em Ambiente e Sustentabilidade).

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Do Oceano Pacífico, que é narrador da primeira aventura de Corto Maltese, o marinheiro criado por Pratt, aos mares que os Passageiros do Vento de Bourgeon sulcam, até à água omnipresente na obra de Prado, esta viagem pelos mares de tinta de Hugo Pratt, François Bourgeon e Miguelanxo Prado, João Lameiras vai analisar a forma como a água (e em especial, o mar), está presente na obra destes três grandes nomes da Banda Desenhada europeia.

João Miguel Lameiras nasceu em 1966. É licenciado em História da Arte pela Universidade de Coimbra, e Mestre em História da Arte Moderna pela mesma Universidade. Tem desenvolvido uma vasta actividade no campo da Banda Desenhada, como conselheiro editorial, tradutor, argumentista e crítico para diversas editoras e publicações Escreve semanalmente sobre Banda Desenhada no Diário As Beiras, e, ainda com maior frequência, no seu blogue http://porumpunhadodeimagens.blogspot.com Foi comissário de várias Exposições sobre BD, com destaque para Coimbra na Banda Desenhada, mostra integrada no programa de Coimbra, Capital Nacional da Cultura 2003.
É sócio-gerente da Livraria Dr. Kartoon, a única livraria de Coimbra especializada em Banda Desenhada.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

SIBELIUS – O cisne de Tuonela, op.22 no2 – 1893
CHAUSSON - Poème de l’amour et de la mer, op.19 – 1890(a)
BEETHOVEN – Sinfonia no 6, em fá maior,op.68, Pastoral – 1808

Orquestra Gulbenkian
Direcção de Joana Carneiro. Solista Ana Quintans (a)

O compositor finlandês Jean Sibelius (1865-1957) deixou-nos um legado especialmente admirável nas suas composições que fazem regularmente parte do reportório das grandes orquestra, designadamente as 7 sinfonias escritas entre 1899 e 1926, vários poemas sinfónicos (“En Saga” de 1892, “Suite Karelia” de 1893, , “Finlândia” de 1899, “Tapiola” de 1926) e um dos mais belos concertos jamais escritos para violino e orquestra (1903). Este canto do cisne habitante das águas que submergem Tuonela, o reino subterrâneo dos mortos na mitologia nórdica, foi escrito em 1903, revisto em 1897 e 1903, integra a ““Suite de Lemminkäinen” e tornou-se particularmente popular junto do grande público (não necessariamente melómano) com a sua inclusão na célebre “Fantasia” de Walt Disney.

Compositor tardio e vítima mortal de uma queda de bicicleta aos 44 anos de idade, Ernest Chausson (1855-1892) ainda escreveu 39 opus, fazendo, na história da música francesa a ponte estética e expressiva entre o conservadorismo do seu mestre César Franck (1882-1890) e a modernidade do seu protegido Claude Debussy (1862-1918). Exceptuando, talvez, o seu “Poème” op.25 para violino e orquestra de 1986, é o “Poème de l’amour et de la mer”, op.19, dolorosamente escrito entre 1882 e 1890 sobre um poema de Maurice Bouchor, que melhor testemunha o tributo de Chausson para o refinamento melódico, a fluidez rítmica, a depuração sentimental e a subtileza tímbrica que anunciam a morte do romantismo de que Debussy será um dos coveiros.

Única das 9 sinfonias de Ludwig van Beethoven (1770-1827) que nos convoca para a contemplação da natureza, a sexta, em fá maior, op.68, escrita entre 1806 e 1808, pode considerar-se atípica no legado sinfónico do compositor pela sua intenção descritiva mas também, formalmente, por ser escrita em cinco andamentos. A melhor sinopse, em poucas linhas, da obra ainda continuará a ser o próprio título que lhe foi dado por Beethoven: “Sinfonia Pastoral, ou recordação da vida campestre (mais expressão de uma sensação do que pintura”). Ainda que pretendendo um grau de abstracção distante da descrição naturalista, o compositor apõe como título para o 2º andamento “Cena à beira de um ribeiro” e, para o 4º, “Trovoada, tempestade”, sugestões aquáticas mais que suficientes para proporcionar, num festival sob o tema da água, a audição de uma das mais populares sinfonias dos primórdios do século XIX.

Joana Carneiro é, desde a temporada 2009/10, Directora Musical da Orquestra Sinfónica de Berkeley, sucedendo a Kent Nagano. É Maestrina Convidada da Orquestra Gulbenkian. Foi Maestrina Assistente da Filarmónica de Los Angeles, trabalhando com o seu mentor Esa-Pekka Salonen. Foi Maestrina Assistente da Orquestra de Câmara de Los Angeles e Maestrina Principal da Young Musicians Foundation Debut Orchestra. O presente ano destaca-se por ser a sua primeira temporada inaugural com a Orquestra Sinfónica de Berkeley, da abertura do Festival de Música Contemporânea na Biennale de Veneza e pela direcção de A Flowering Tree (John Adams) em Paris, com a Orquestra e Coro Gulbenkian, e de Œdipus Rex e Symphony of Psalms de Stravinsky, no festival de Sydney, numa produção de Peter Sellars. Em 2010/2011, dirigirá a Orquestra Gulbenkian na Sala Pleyel e as orquestras de Detroit, Indianapolis e St. Paul. Em 2004, foi agraciada pelo Presidente da República Portuguesa com a Comenda da Ordem do Infante Dom Henrique.

A Orquestra Gulbenkian fundada em 1962 com apenas doze músicos, conta hoje com sessenta e seis instrumentistas, número que pode ser aumentado de acordo com os programas executados. Esta constituição permite-lhe tocar um amplo repertório que abrange os principais períodos da História da Música, desde o Classicismo à Música Contemporânea. Sendo uma referência musical no nosso país, distinguiu-se também nas principais salas de concertos da Europa, da Ásia, da África e das Américas. A Orquestra Gulbenkian gravou já diversos discos, tendo recebido importantes prémios internacionais. Lawrence Foster é o Director Artístico e Maestro Titular desde a temporada de 2002/3.

Ana Quintans estudou Canto no Conservatório Nacional de Lisboa e no Flanders Operastudio e é licenciada em Escultura pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Tem-se apresentado em vários países europeus, Japão e Estados Unidos da América e trabalhado sob a direcção de William Christie, Cesário Costa, Michel Corboz, Enrico Onofri, entre outros. Gravou Judicium Salomonis de Marc-Antoine Charpentier com William Christie /Les Arts Florissants; Requiem de Fauré com Michel Corboz /Sinfonia Varsóvia; Sementes do Fado com Marcos Magalhães e Ricardo Rocha; e Kleine Musik com obras de Schütz e Ivan Moody com o grupo Sete Lágrimas.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

“Santa Clara, uma história submersa” e “Areias do Mondego escondem Santa Clara-a -Velha” são trabalhos realizados por alunos do 12º ano da Escola Secundária de Jaime Cortesão que remetem para a complexa problemática das águas fluviais na fisionomia da cidade de Coimbra, na sobrevivência do velho do Mosteiro e na própria vida dos conimbricenses.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Atenção:
Por motivos alheios à vontade da Direcção do Festival das Artes, a projecção do filme “Revolta na Bounty” terá lugar em espaço fechado, no Auditório do Mosteiro de Santa Clara, na data e hora previstas. Apresentamos desde já as nossas desculpas pela alteração verificada.

Dos 134 filmes que Frank Lloyd realizou, nenhum como “Mutiny on the Bounty” lhe garantiu uma presença tão prestigiante na história do cinema. Conseguindo o feito singular de ter conseguido, em 1935, 3 nomeações para o Oscar de melhor interpretação masculina (Charles Laughton, Clark Gable e Franchot Tone), para além das candidaturas a melhor realizador, melhor montagem, melhor banda sonora e melhor argumento e ganho a estatueta para o melhor filme do ano. Fasquia demasiado alta para a concorrência posterior sobre o mesmo tema: a de Lewis Milestone (com Marlon Brando e Trevor Howard) e a de Roger Donaldson (com mel Gibson e Anthony Hopkins).

Ficha técnica
Mutiny on the Bounty (1935)
Actores: Clark Gable, Charles Laughton, Francot Tone, …
Argumento: Talbot Jennings
Fotografia: Arthur Edeson
Música: Herbert Stothart
Montagem: Margaret Booth
Realização: Frank Lloyd

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Albano Lourenço é formado pela Escola de Hotelaria e Turismo do Algarve. Natural de Coimbra, cedo rumou ao Algarve, onde ganhou experiência cozinhando em alguns dos melhores restaurantes de Portugal, nomeadamente o Ermitage e o São Gabriel (ambos com uma estrela Michelin). Em 2004, é na Quinta das Lágrimas que Albano Lourenço conquista a sua primeira estrela Michelin e, em 2005, recebe a distinção de “Figura do Ano” pela InterMagazine. Na sua cozinha utiliza os produtos tradicionais da região de Coimbra para criar receitas de sabor único, renovadas quatro vezes por ano, ao ritmo das estações. Recentemente, venceu o prémio Arte da Cozinha (2009), atribuído pela Academia Portuguesa de Gastronomia.

Vítor Dias estudou na Escola de Hotelaria de Coimbra e passou pelas Pousadas de Portugal e pelo Grupo Accor, enquanto estagiário, e tem na cozinha uma das suas maiores paixões, procurando actualizar-se quanto às novas tendências, não esquecendo as suas raízes bairradinas, região de excelência gastronómica e vinícola. Gosta de inovar e discutir conceitos gastronómicos com quem também gosta de criar e recriar a cozinha. Faz questão em transmitir os seus conhecimentos a jovens cozinheiros que optem por ingressar no mundo da hotelaria. Ao lado do Chefe Albano Lourenço, deu um importante contributo para a atribuição de uma estrela Michelin ao Restaurante Arcadas da Quinta das Lágrimas.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

A simples menção da palavra “água” faz de imediato vir à memória os riachos das montanhas ou os calmos lagos com pássaros ou o mar imenso e salgado, as lágrimas e suor que levam à glória, o prazer único e intenso de beber um copo de água fresca. Mas com idêntica força e beleza, associa-se aos caldos reconfortantes, ao chá perfumado ou ao café fragrante, ao consomé delicado ou às sopas que rescendem, a uma cozedura em vapor, escalfada ou em banho-maria, à frescura do sorvete ou do granizado. Ou como simplesmente escreveu Saint-Exupéry: “a felicidade na sua forma infinitamente simples”.

José Bento dos Santos é engenheiro Químico-Industrial pelo IST, broker de metais e produtor dos internacionalmente prestigiados vinhos da sua Quinta do Monte d’Oiro. É Vice-Presidente da Academia Internacional de Gastronomia, membro da Académie des Psycologues du Goût, Chevalier des Entonneurs Rabelaisiens e du Tastevin. Foi condecorado pelo Presidente da República e pelo Ministro francês da Agricultura. Recebeu a Medalha de Mérito Turístico e ainda a Medaille d’Or da Chaîne des Rôtisseurs.
É autor dos livros Subtilezas Gastronómicas – receitas à volta de um vinho, O Sentido do Gosto e Allgarve Gourmet, publica regularmente artigos sobre gastronomia e vinhos, profere diversas conferências sobre estes temas no país e no estrangeiro e é autor e apresentador das séries televisivas Segredos do Vinho (SIC) e O Sentido do Gosto (RTP). Foi ainda o docente responsável pelo seminário O Sentido do Gosto para os alunos de Enga Civil do IST.

Em 2009 foi a noite. Este ano é a água – e não só as águas do Mondego, apesar de os eventos culturais terem todos lugar em Coimbra – a dar o mote a um festival multidisciplinar, que se estende a vários locais da cidade (Mosteiro de Santa Clara-a-Velha, Teatro Cerca de São Bernardo, Centro de Artes Visuais, Museu da Água, Parque Verde do Mondego), mas que tem epicentro na Quinta das Lágrimas, porque afinal foi ela o cenário dos amores proibidos de D. Pedro e é lá que fica a sede da Fundação Inês de Castro, organizadora do evento.

Dentro da Quinta, o espetacular Anfiteatro Colina de Camões (distinguido em 2008 com o Prémio Nacional de Arquitetura Paisagística) receberá, entre outros, a Orquestra Gulbenkian dirigida por Joana Carneiro, António Pinho Vargas, a Companhia Paulo Ribeiro, projeções de cinema, Bernardo Sassetti e Beatriz Batarda, juntos, para recordar A Menina do Mar de Sophia de Mello Breyner.

E eis um aperitivo, apenas, para um programa vasto, dividido por vários ciclos que abarcam música, dança e cinema, mas também teatro, literatura, artes plásticas, conferências, gastronomia, património e todo um capítulo – «da esperança» – dedicado a crianças e jovens. Para ver, até 1 de Agosto, com ou sem braçadeiras.

FESTIVAL DAS ARTES
www.festivaldasartes.com
T. 239 702 630 (Seg-Dom 16h-20h)

Por Joana Fillol
Visão / Sete Norte

PDF

Imagens do evento:

Fotografias: Ricardo Correia


Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Revisitar Gil Vicente, é remexer nas memórias de infância. Na experiência de brincar ao Diabo, deste Auto, na apresentação para uma aula de Português. Mais tarde e já em Coimbra, foi na Escola da Noite que aprendi a gramática Vicente, e sem a qual, garanto, não me poderia aventurar neste Auto da Barca do Inferno.

Trazer à cena o Auto da Barca do Inferno de Gil Vicente, é uma proposta arriscada, mas que permite-nos, aos Fazedores e público, revisitar os genes do nosso teatro. A questão a colocar não é se faz ou não sentido fazer Gil Vicente hoje, a resposta é óbvia, mas poderá ser: como fazer Gil Vicente transpostos 500 anos? Como comunicar todas as suas nuances, a sua musicalidade, e integrá-lo no aqui e agora, sem esquecer que Coimbra, Gil Vicente, e o TEUC, traçaram tangentes tantas vezes.

Nesta encenação não pretendo actualizar, nem tão pouco fazer uma reconstituição histórica de um Portugal quinhentista, mas gostaria de burilar as suas palavras, de encontrar com as actrizes, seis por sinal, a sua fisicalidade, o seu jogo, e de construir uma trupe que brinca com e ao Teatro.

Queremos, e agora uso o plural, fazer um espectáculo íntimo, um espectáculo que nasce da proximidade física, onde a comunicação seja feita olhos nos olhos, tal como foram os espectáculos apresentados por Gil Vicente na Corte, em pequenos espaços, e deste modo, rir deste Mundo às avessas, rir dos outros, rir no passado para inscrevermo-nos no Futuro.
Entramos na Barca, resta saber para onde nos leva…
Ricardo Correia

A primeira apresentação pública do TEUC realizou-se em 27 de Julho de 1938.

Durante os seus primeiros trinta anos de existência, a actividade do TEUC foi marcada pela direcção artística do Professor Paulo Quintela, tendo durante esse período sido encenados autores do Teatro Clássico Grego, clássicos do Teatro Mundial como Molière, Goethe e Calderón de La Barca, autores modernos como Tchekov e García Lorca, e, finalmente, autores portugueses, desde Luís de Camões a autores contemporâneos como Miguel Torga, Raúl Brandão e José Régio. Mas estas três décadas foram marcadas sobretudo pela representação de numerosos textos do chamado “pai” do teatro português, Gil Vicente.

A partir da última metade da década de 60, a orientação artística é marcada pelo trabalho com novos  encenadores, como Luís de Lima e Júlio Castronuovo.

Com a chegada do 25 de Abril, termina um período marcado pela censura e pela tentativa de tornear as limitações por ela impostas; é altura de fazer chegar a todo o público a ideia de concretização da liberdade, através do teatro de intervenção social e de levar à cena autores polémicos como Bertold Brecht e Dario Fo, de experimentar novas formas de linguagem com encenadores como Fernando Gusmão, José Oliveira Barata e Adolfo Gutkin.

A década que se segue é caracterizada pelo experimentalismo e aposta em propostas diferentes do que se fazia até então, em encenações de Adolfo Gutkin, Ricardo Pais, Andrzej Kowalsky, Rogério de Carvalho e Manuel Sardinha, entre outros.

O início da década de 90 é marcado pela apresentação de espectáculos que se tornaram uma referência no panorama do teatro português de então: Platonov, de Anton Tchekov, encenado por Rogério de Carvalho, Grupo de Vanguarda, de Vicente Sanches encenado por Ricardo Pais, India Song, de Marguerite Duras, encenado por Manuel Sardinha. A actividade prossegue com novos criadores – Jorge Fraga, Paulo Castro, João Grosso, José Neves, Tiago Torres da Silva.

Na década seguinte, destaque para “Sonho de Uma Noite de Verão” de William Shakespeare, dirigida por António Mercado (2000), Mulheres de Lorca, encenado por Clovis Levi (2002), “Calígula” de Albert Camus, com Tiago Rodrigues (2003), “Projecto Müller”, pelas mãos de Ricardo Correia (2006), “Hamlets” (2007), uma criação a partir de “Hamlet” com encenação de Nicolau Antunes, “O sonho” de August Stringberg , dirigido por Pedro Matos.

Em 2008 os 70 anos do TEUC impõem celebração à medida: reposição de “O Fazedor de Teatro”, apresentação de “A Cantora Careca” pela mão de António Duraes e de “Oresteia: Fragmentos de Agamemnon e Coeforas”, onde se condensaram três meses de trabalho com Rogério de Carvalho numa busca pela essência da tragédia grega.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

“Respirar (debaixo de água)” (2000), de António Ferreira foi premiado no Festival Internacional de Curtas Metragens de Vila do Conde e recebeu os prémio Jovem Cineasta, Melhor Realização e Prémio Especial RTP “Onda Curta”. Internacionalmente, recebeu diversos prémios, designadamente no New York International Independent Film & Video Festival  (EUA) (melhor actor para Alexandre Pinto), no Festival Internacional de Cine Independente de Ourense em Espanha (melhor filme). no Festival du Film Court de Brest em França (melhor média metragem europeia) e no Festival Ibérico de Cortometrajes Badajoz em Espanha (melhor filme, melhor realização e melhor fotografia). Oportunidade para (re)ver o filme e participar no debate que se seguirá com o seu autor.

Ficha técnica
Respirar (debaixo de água) (2000)
Actores: Alexandre Pinto, Joana Costa, Joel Rodrigues, …
Argumento: António Ferreira
Fotografia: Marcus Lenz
Música: Pedro Renato
Montagem: Dörte Schneider
Realização: António Ferreira

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

O cinema filma a água de infindas maneiras. Muitas vezes como espaço de morte, outras de liberdade. Lugares que tanto separam como unem, as águas filmadas constituem-se em palcos de imprevisíveis viagens ao que de mais secreto e mais indizível se oculta no espírito humano.

Abílio Hernandez Cardoso nasceu em Coimbra, em 1941. Licenciou-se em Filologia Germânica pela Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra, com uma tese sobre William Faulkner, e doutorou-se em Literatura Inglesa pela mesma instituição, com uma tese intitulada De Ítaca a Dublin: a odisseia da palavra em Ulysses, de James Joyce.
É Director do Colégio das Artes, Professor de Estudos Fílmicos na Faculdade de Letras, Investigador do Centro de Literatura Portuguesa e membro da International James Joyce Foundation. Foi Pro-Reitor da Cultura da Universidade de Coimbra, Director do Teatro Académico de Gil Vicente, Presidente de Coimbra Capital Nacional da Cultura e Presidente da Associação Portuguesa de Programadores Culturais.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros

CONTADORES
Helena Faria, Joana Rita, José Geraldo, Mariana Ferreira e Pedro Correia.

Estórias para inundar os sonhos. Para provocar a imaginação. Nada melhor do que meia dúzia de contos para nos deixar a cabeça a borboletear. Nada melhor que a palavra para nos passar uma rasteira bem rasteirinha que nos leva com o nariz até ao pó do chão do lado invisível da terra.

A Camaleão – Associação Cultural é uma associação sem fins lucrativos, sedeada em Coimbra, que tem produzido e apresentado espectáculos de teatro, música, poesia e exposições formações associadas às artes performativas. Desde 2002, desenvolve um trabalho sistemático na área da narração oral.

Ficha Técnica
Contadores: Helena Faria, Joana Rita, José Geraldo, Mariana Ferreira e Pedro Correia.

Duração da sessão
45 minutos

Classificação Etária
M/3 anos

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

A Orquestra Geração nasce de um desafio feito há 3 anos pela Câmara Musical da Amadora a António Wagner Dinis para formar uma orquestra juvenil. Então o Maestro constituiu um projecto de inclusão exemplar, reunindo jovens de chamados bairros problemáticos, apoiados pelas suas famílias e pelas escolas que frequentam. No ano em que o Ministério da Educação atribuiu a Wagner Dinis o Prémio de Mérito Inovação pela realidade que é a Orquestra Geração, a sua presença no Festival das Artes de Coimbra simbolizará uma mensagem de esperança a transmitir a todos os pessimistas quanto ao futuro da humanidade.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Sendo um dos mais belos livros portugueses para a infância, A Menina do Mar de Sophia de Mello Breyner será transposto para expressão plástica e trazido pelas mãos de crianças que, nas suas actividades de aprendizagem, prolongam as impressões emotivas despertadas pelas palavras desta narrativa maravilhosa.

Durante três séculos, as clarissas lutaram contra o avanço constante das águas da única forma possível, subindo o piso térreo e acrescentando um andar superior. Tiveram mesmo de abandonar o mosteiro no século XVII, mudando-se para um novo edifício mais acima. Santa Clara-a-Velha ficou assim à mercê das águas, até que nos anos 90 do século passado começou uma campanha arqueológica no local. Não só se escavou como tiveram de mergulhar para aceder às secções inundadas.

Passados 15 anos, surgiu um ‘novo’ edifício em 2009, aquando da abertura do mosteiro ao público. Bombeou-se toda a água – que revelou uma necrópole com cerca de 70 túmulos no piso mais baixo -, suavizou-se o terreno em volta com um relvado e construiu-se um centro interpretativo em frente. Artur Côrte-Real, que coordenou o projecto de recuperação desde as primeiras visitas, conta que foi até «construída uma espécie de caixa estanque subterrânea», para salvaguardar o mosteiro de novas cheias. O esforço valeu já um prémio, o Europa Nostra 2010, um dos mais importantes na área do património.

A visita começa no centro interpretativo, projectado pelo arquitecto Alexandre Alves Costa, onde uma grande exposição permanente mostra um pouco dos hábitos das freiras. Saíram tão ‘à pressa’ que as escavações permitiram encontrar de tudo, desde utensílios de cozinha a jóias. «O que prova que, apesar de serem freiras reclusas, não tinham uma vida tão pobre assim, não se limitavam a rezar», explica Artur Côrte-Real.

Eram aristocratas, pelo que há brasões de família, porcelanas chinesas imperiais, ornamentos de ouro e perfumes. Por outro lado, as pesquisas na antiga lixeira revelaram um pouco sobre a sua alimentação. Comiam muita carne e marisco, coisas raras, e faziam doces. Graças à investigação, o cozinheiro Albano Lourenço, do hotel Quinta das Lágrimas, criou a ‘clarissinha! um doce conventual nelas inspirado.

Seguimos então para o mosteiro, que vai ‘crescendo’ à medida que atravessamos o longo caminho de pedra. O claustro está em ruínas, mas deixa perceber que tinha muita estatuária. No edifício principal saltam à vista os enormes arcos, abóbadas e rosáceas. Lá dentro é escuro, quase subterrâneo, e sentimos um pouco do medo que as freiras tinham das águas. No piso superior, detemo-nos junto a um arco renascentista finamente decorado – parece deslocado. Serviria para receber o túmulo da Rainha Santa, que tanto se dedicou ao mosteiro, mas não pôde ficar ali. Talvez agora regresse, que as águas já se afastaram…

SOL, 16-07-2010
PDF

Carlos Barretto, Pedro Burmester, António Pinho Vargas, Beatriz Batarda, Joana Carneiro e Bernardo Sassetti são alguns dos participantes que subirão ao palco do festival.

SOL, 16-07-2010
PDF

Águas Infindas é o tema da segunda edição do Festival das Artes que arranca hoje e se prolonga até 1 de Agosto, em Coimbra. Organizado pela Fundação Inês de Castro, tem como cenário principal o anfiteatro ao ar livre Colina de Camões, na Quinta das Lágrimas, embora este ano se estenda a outros pontos da cidade.

O autor da ideia e membro da fundação, José Miguel Júdice, diz que “a ambição é fazer um festival de referência ao ar livre em Portugal que daqui a cinco anos esteja no mapa internacional”. Da autoria de Cristina Castel-Branco, Colina de Camões – que, em 2008, venceu o Prémio Nacional de Arquitectura Paisagista – é o espaço emblemático do festival que, nesta edição, abrange também o Mosteiro de Santa Clara-a-Velha, o Centro de Artes Visuais, o Teatro da Cerca de S. Bernardo e o Museu da Agua.

Neste ano, em que até o barco Basófias vai percorrer o rio Mondego ao som de jazz, o programa inclui mais eventos, em mais dias, e envolve várias entidades culturais da cidade, como a Casa da Esquina, o Teatro dos Estudantes da Universidade de Coimbra, a associação cultural Camaleão, o Jazz ao Centro Clube, e, entre outros agentes, o artista plástico António Barros e o cineasta António Ferreira.

Música, teatro, dança, cinema, fotografia, banda desenhada, poesia, e até a gastronomia fazem parte de um festival “multidisciplinar” que inclui ainda conferências e passeios pela região. Ao todo, são 42 eventos divididos por diferentes ciclos: Música, Palavra, Coreografia, Artes Plásticas, Cinema, Património, Conferências, Esperança, Gastronomia e Vida.

“O anfiteatro é o ponto essencial, mas a ambição é que seja um festival de Coimbra e internacional. A ideia é que outras entidades aproveitem aqueles dias e, em vez de 40, haja 400 eventos. Queremos que seja um catalisador de iniciativas”, diz José Miguel Júdice, também da direcção do festival, evento que considera “inovador” por ter “um tema, ser de todas as artes e para um público heterogéneo”.

Entre as várias iniciativas, o responsável destaca a orquestra Concerto Köln – “um dos três melhores grupos de música barroca do mundo”, diz -, a actuação de António Pinho Vargas e ainda a de Bernardo Sassetti, que, com leitura de Beatriz Batarda, vai musicar a obra A Menina do Mar, de Sophia de Mello Breyner Andresen.

“Os programas de cada concerto foram escolhidos em diálogo com os artistas, tendo em conta o tema da água”, acrescenta Luís M. Alves, da direcção artística (com Nuno Antas de Campos, Margarida Mendes Silva e Ilda Rodrigues), destacando ainda a estreia em Portugal do documentário Os Oceanos de Perrin, de Jacques Perrin.

Na gastronomia, José Miguel Júdice chama a atenção para a presença do chefe catalão Santi Santamaria – em 2009, o Guia Michelin concedeu-lhe um total de sete estrelas, por quatro restaurantes – que vai ser o autor do menu de dia 27 de Julho, na Quinta das Lágrimas.

O festival arranca hoje, às 19h30, com o concerto Bem-Vindos a Coimbra, pela Orquestra Clássica do Centro e pelo Coro dos Antigos Orfeonistas da Universidade de Coimbra, e termina no dia 1 de Agosto, às 21h30, com o espectáculo Maiorca, de Paulo Ribeiro.

“Vai haver sempre coisas a acontecer. Não é um festival para melómanos ou cinéfilos, mas para um público que ambiciona a cultura em geral. É muito transversal. O objectivo é a diversidade, múltiplos olhares sobre a água… no cinema, na música, no ambiente, na civilização, na gastronomia”, diz Luís M. Alves, adiantando que, se no ano passado o mote foi a noite e este ano é a água, a terceira edição terá como tema paixões. Mais informação em www.festivaldasartes.
Maria João Lopes

Público / Caderno P2, 16-07-2010
PDF

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Uma viagem pelos estados e maneiras da água ao longo da história da fotografia (e não só). A água é um nascimento e um baptismo. Às mães, rebentam-se-lhes as águas; a fotografia tradicional do negativo-positivo também nasceu na água. Tales de Mileto achava que tudo era feito de água e Joan Baptista van Helmont (e, depois, Robert Boyle) fizeram experiências para o provar. Daqui à história da fotografia vai um passo. Águas para todos os gostos.

Jorge Calado tem desenvolvido carreiras paralelas nas ciências e nas artes. Professor catedrático de química-física do Instituto Superior Técnico, foi também professor catedrático-adjunto de engenharia química na Universidade de Cornell, NY. Sócio efectivo da Academia de Ciências de Lisboa e crítico cultural do semanário Expresso. A pedido do Ministério da Cultura, criou a Colecção Nacional de Fotografia (hoje no CPF, Porto). Comissariou mais de vinte exposições de fotografia em Portugal e no estrangeiro, entre as quais À Prova de Água (para a EXPO’98) e INGenuidades (para o 50o aniversário da Fundação Gulbenkian). O seu livro, Haja luz! (uma história da química através de tudo), será publicado no Outono.

Imagens do evento


Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

GLUCK – Dança dos espíritos benignos (de Orfeo ed Euridice) – 1774

BEETHOVEN – Meerestille und glückliche Fahrt (Mar calmo e feliz viagem) op. 112 – 1815 (a)

SCHUBERT – Gesang der Geister über den Wassern (Canto dos espíritos sobre as águas) D714 – 1821 (a)

J. STRAUSS – Aus der schönen, blauen Danau (Danúbio azul) op.314 – 1867

MAHLER – Adagietto (4o andamento da 5a sinfonia) – 1901/02

VERDI – Va, pensiero (coro dos escravos hebreus de Nabucco) – 1842 (a)

OFFENBACH – Belle nuit, o nuit d’amour (Barcarola de Os contos de Hoffmann) – 1881 (a)

PUCCINI – Coro dos marinheiros (de Madama Butterfly) – 1904 (a)

Orquestra Metropolitana de Lisboa

Coro Sinfónico Lisboa Cantat (a) Direcção de Cesário Costa

Uma proposta de viagem, no tempo e no espaço, prefaciada pelo paraíso onde Orfeo caminha na demanda de Euridice, que desce à terra, à Viena das primeiras décadas do século XIX para testemunhar a apropriação por Beethoven e Schubert da poesia de Goethe. A mesma Viena em que J. Strauss exalta o azul Danúbio e Mahler escreve o Adagietto indissociável dos canais que rasgam a Veneza onde morrerá o protagonista do filme de Visconti. E, finalmente, uma digressão por 3 continentes em 3 coros de óperas: o dos escravos hebreus, à beira do rio Eufrates, sonhando com o Jordão, o que acompanha a barcarola que irá arrastar Hoffmann a perder a sua alma e o dos marinheiros que, no porto de Nagasaki, adormecem na última noite de vida de Cio-Cio-San.

Um tríptico cuja primeira parte se inicia com o convite para acompanhar Orfeo na demanda da sua perdida Euridice, por paradisíacos lugares inevitavelmente associados, no nosso imaginário e, certamente, no de Christoph Willibald von Gluck (1714-1817), a fontes, lagos e riachos. Acompanhantes de Orfeu, também, os espíritos benignos que o compositor acrescenta à narrativa na sua versão para Paris, de 1774, da ópera “Orfeo ed Euridice”, doze anos depois da sua estreia em Viena.

O “Mar calmo e feliz viagem” de Beethoven (1770-1827) é uma homenagem do compositor a Johann Wolfgang von Goethe (1749-1832), que, aliás, desdenha a obra, escrevendo para coro e orquestra sobre dois dos seus poemas (“Mar calmo” e “Feliz Viagem”). Embora o número de opus desta obra induza a convicção de que a sua escrita é posterior às suas três últimas sonatas para piano (op. 109, 110 e 111, escritas  entre 1820 e 1822), a sua composição data de 1815, embora só publicada em 1822. Estava já próximo o tempo em que Beethoven iria estilhaçar todas as convenções da escrita musical (com a “Missa Solemnis” de 1818/23, a nona e última sinfonia de 1822/24, as cinco últimas sonatas para piano de 1816 a 1822, os cinco últimos quartetos de 1823 a 1826). Mas sobre este “Mar calmo e feliz viagem” paira uma serenidade inicial e um júbilo final que leva a crer que, para conquistar a simpatia de Goethe, Beethoven não poderia arriscar .

É ainda Goethe que estimula persistentemente a criatividade de Franz Schubert (1797-1828), na cerca de centena e meia de “lieder” (obras para voz e acompanhamento instrumental, num total de seis centenas) que escreve sobre poemas seus. Sobre “O canto dos espíritos sobre as águas” Schubert escreve nada menos do que cinco versões, para diferentes formações corais e instrumentais. Ao invés do posicionamento de “Mar calmo e feliz viagem” na obra de Beethoven, “O canto dos espíritos sobre as águas” escrito, aos 24 anos de idade, apresenta rasgos de modernidade surpreendentes, embora sem continuidade nos 7 anos de vida que lhe restam. Aliás, a imprensa da época arrasa a obra após a estreia, rotulando a sua composição como insensível, desordenada e inútil. Ainda hoje, alguns dos mais devotos schubertianos a consideram estranha no universo estético do compositor, mas já não são raros os que a reconhecem como uma das obras-mais-primas.

Na segunda etapa do trítico, avança-se meio século no tempo, sem sair da Viena orbital para Beethoven e Schubert, onde ambos tanto tempo viveram e ambos morreram, Schubert um ano mais tarde. Chegamos à Viena das valsas, polcas, quadrilhas, czardas e tudo o mais que se dançasse. Ninguém melhor do que Johann Strauss II (1825-1899) soube, com a sua música, alimentar a efervescência dos sentidos reclamada pela sociedade vienense. Poucos rios como o belo Danúbio terão sido homenageados com a voluptuosidade e a euforia com que Strauss o celebra.

É ainda em Viena – a do tempo de Freud, Klimt, Musil, (Otto) Wagner, Schönberg – que floresce o génio de Gustav Mahler (1860-1911), designadamente na sua 5ª sinfonia que, neste concerto se visita. Ao escrever o sereno e contemplativo Adagietto como 4º andamento desta sinfonia, Gustav Mahler (1860-1911) apenas terá procurado um tempo de apaziguamento entre dois andamentos tumultuosos. Mas, hoje, não é possível ouvi-lo sem o associar à travessia de Veneza no vaporetto, em direcção ao mar, do Gustav Aschenbach da “Morte em Veneza” de Thomas Mann, encarnado por um Dirk Bogarde perturbantemente semelhante a Mahler, no filme de Luchino Visconti.

O tríptico fecha com uma digressão por 3 continentes. É nas margens do rio Eufrates que os escravos hebreus, subjugados pelos assírios, recordam as margens do Jordão, da pátria “si bella e perduta”, na segunda cena do terceiro acto da ópera “Nabucco” de Giuseppe Verdi (1813-1901). Cantado nas ruas, o “Va, pensiero” seria transformado em hino à unificação da Itália durante todo o tempo da ocupação austríaca e ainda em 1949, quando Maria Callas cantou o “Nabucco” no Alla Scala de Milão, o fim do coro é recebido por um ruidoso confronto entre pró e antifascistas só serenado pelo bis que o maestro concede.

Em direcção ao Japão, regresso a Veneza, agora a das máscaras, a das gôndolas ondulantes ao ritmo da barcarola que convida à exaltação dos sentidos. E que também é o prelúdio do trágico percurso do poeta Hoffmann no caminho da perda do seu reflexo nos os espelhos, leia-se, da sua alma. Tal como o narra Jacques Offenbach (1819-1880), na sua incompleta ópera “Les Contes d’Hoffmann”.

É na longínqua Nagasaki, a cidade que os portugueses fundaram em 1570, que decorre a triste história da menor, de 15 anos, Cio-Cio-San, vulgo Madama Butterfly, seduzida e engravidada pelo oficial B.F. Pinkerton da marinha dos U.S.A., na ópera de Giacomo Puccini (1858-1924). Ao anoitecer, os marinheiros do navio Abraham Lincoln, a bordo do qual Pinkerton regressa para levar o filho de Butterfly, entoam um cântico sem palavras que se esvai no silêncio e nos devolve às imagens feéricas da noite na Quinta das Lágrimas.

Cesário Costa depois do Curso Superior de Piano (Paris), completou com nota máxima, o Mestrado em Direcção de Orquestra (Würzburg, Alemanha). Venceu em 1977 o III Concurso Internacional Fundação Oriente para Jovens Chefes de Orquestra e foi bolseiro do Festival de Bayreuth. A sua intensa actividade já o levou a dirigir a Royal Philharmonic de Londres, Sinfónica de Nuremberga, Sinfónica Portuguesa, Orquestra Gulbenkian, Orquestra Nacional do Porto, Orquestra Metropolitana de Lisboa, Orquestra do Algarve, Remix Orquestra, Ensemble für Neue Musik, Arhus Sinfonietta, Orquestra de Extremadura, Sinfónica de Liepaja, Plural Ensemble, Orquestra de Câmara da Rádio Romena, entre outras. Colaborou com solistas e encenadores de renome em repertório que vai do barroco ao contemporâneo, incluindo mais de 80 obras em estreia absoluta. É Presidente da Metropolitana (Associação Música – Educação e Cultura), Director Artístico da Orquestra Metropolitana de Lisboa e ainda Maestro Titular da OrchestrUtopica.

A OML é já uma referência no panorama português, sendo convidada para tocar em diferentes palcos internacionais. Em Dezembro de 2009, fez uma digressão pela China. Foi dirigida por maestros, como Joana Carneiro, Cesário Costa, Michael Zilm, Christopher Hogwood e Theodor Guschlbauer. Tocou com Maria João Pires, José Cura, Monserrat Caballé, Kiri Te Kanawa, José Carreras, Felicity Lott, Elisabete Matos, Leon Fleisher, Natalia Gutman, António Meneses, Michel Portal e Augustin Dumay. A OML gravou 10 CDs – um dos quais disco de platina.

O Coro Sinfónico Lisboa Cantat, dirigido por Jorge Alves, já se apresentou com orquestras de renome portuguesas e internacionais, e em parcerias com o Coro Nacional do Teatro S. Carlos e com o Coro Gulbenkian. O seu repertório inclui obras como o Requiem, de Eurico Carrapatoso (estreia mundial), a Cantata Verbum Caro, de N. Corte-Real (estreia da versão sinfónica), e a Cantata de Outubro, de Prokofiev (estreia em Portugal). O CSLC conta actualmente com 100 elementos na sua formação principal.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

18 de Julho
Jazz Duo
Beatriz Portugal – Voz Nuno Ferreira – Guitarra

25 de Julho
Sofia Vitória 4teto
João Custódio – Contrabaixo Júlio Resende – Piano Bruno Pedroso – Bateria Sofia Vitória – Voz

Descobrir os encantos de Coimbra num percurso ao longo do rio, a bordo do barco “O Basófias”, embarcação vinda de França e especialmente construída para a navegação no rio Mondego, a operar desde 1993. Actuação ao vivo de músicos de jazz.

Beatriz Portugal (Vx)
Do ano de 2009 destaca a gravação num album do Compositor e músico VíTOR RUA, a gravação de dois temas com os compositores e músicos JOHNWAYNES e a criação do projecto INEFABLE, duo com o guitarrista Rui Figueiredo. É actualmente aluna do curso de jazz da Escola Superior de Música de Lisboa, dirigido pelo Professor Pedro Moreira. Tem participado como cantora em diversas formações de jazz, nas quais teve o privilégio de tocar com músicos como Bruno Pedroso (Bt), Bruno Pernadas (Gt), Carlos Barreto (Ctbx), Filipe Rocha (Ctbx), Hugo Antunes (Ctbx), João Custódio (Ctbx), João Rijo (Bt), Nelson Cascais (ctbx), Nuno Ferreira (Gt), Paula Sousa (Pn), Nuno Reis (Tp), Rui Alves (Bt) e Vasco Agostinho (Gt). Destaca o duo SWEET PUNK & JAZZ c/ Nuno Ferreira. Tem participado também como vocalista em diversos projectos musicais, nomeadamente Colectivo109 (projecto de Djs), Cartoon Orchestra (projecto musical e performativo), Sonda25 (Jazz fusão), Reevelbrix (Reggae), Womucoba (world) e Taberna Revisitada (fusão fado). Em 2008 gravou em estúdio clássicos com conceituados músicos de jazz, realizou concerto em Belgrado com músicos Sérvios e participou no “Rock in Rio Lisboa” com o coro de gospel FaithGospelChoir. Foi actriz convidada do Teatro da Garagem no espectáculo “Teatro-Clip” de Carlos J.Pessoa, aclamado pela crítica especializada. No contexto do teatro e da performance-art trabalhou anteriormente com Duarte Morgado (ESJE), Christine Villepoix e José Filipe Pereira (ACAV), Rui Madeira (Teatro Circo Braga), Jorge Listopad (Teatro da Universidade Técnica), Carlos J. Pessoa (Coimbra Capital da Cultura e Teatro da Garagem), Inês Vicente (ESMAE), José Manuel Castanheira (PRODEP), Maria João Brilhante (Centro de Estudos de Teatro), André Lepecki (New York University), Diana Taylor (NYU) e Richard Scheckner (NYU), entre outros. É licenciada e exerceu arquitectura paisagista (ISA), formação a partir da qual tem procurado estudar a questão do espaço na performance – projecto de investigação sobre espaço teatral de exterior (ERASMUS – Berlim), projecto de Land Art (ELEE – Velp, Holanda). Fez mestrado em Estudos de Teatro (FLUL), tendo como tema de investigação “O Espaço na Performance Site-specific”. No contexto da sua formação em “Estudos de Teatro” foi bolseira da Fundação Calouste Gulbenkian (2004), no departamento de Performance Studies – NYU. Nesse período frequentou alguns dos míticos clubes de jazz nova-iorquinos tendo participado de masterclass na BlueNote com o pianista Chick Corea. Trabalha desde 2002 como produtora de eventos musicais e performativos sob a marca Cefalópode.
+ info: www.myspace.com/beatrizportugal

Nuno Ferreira (gt)
Concluiu em 1994 o curso da Escola de jazz do Hot Clube de  Portugal (HCP), onde viria a leccionar (1996). Enquanto  finalista deste curso é convidado para participar no  encontro anual da IASJ (International Association of Schools  of Jazz) que teve lugar em Nova Iorque, onde actuou no  conceituado JVC Jazz Festival. Entre 1995 e 1998 lidera um  quinteto, com repertório original, que actua nos festivais  de Jazz de Évora, Marinha Grande, Loures, Loulé,  Matosinhos, Palência (Espanha), ‘Jazz em Agosto’ (Fundação  Gulbenkian), ‘Non-Stop Jazz’ (Lisboa), Expo 98, Teatro  S. Luiz e inúmeros clubes de jazz. Este grupo marca o início  da sua colaboração com dois dos mais talentosos jovens músicos  de Espanha – o saxofonista Jesus Santandreu e o pianista  Albert Sanz. Actua frequentemente como freelancer em  Portugal, Espanha e nos Estados Unidos, com diferentes  grupos, destacando-se colaborações com Bernardo Moreira,  Marcello di Leonardo, Paul Gill, Nelson Cascais, Carlos  Barretto e Jesus Santandreu. Participa nos programas  televisivos ‘Ouvir e Falar’ de António Victorino  D’Almeida e ‘Fórum musical’. Em 1998 muda-se para  Nova Iorque, onde é bolseiro da ‘New School – Jazz and  Contemporary Music Program’ completando a sua licenciatura  em Maio de 2000. Em Maio de 2000, ainda em Nova Iorque,  grava o seu primeiro disco para a editora ‘Fresh Sound -  New Talent’ no qual participam Albert Sanz, Kris Bauman,  Alexis Cuadrado e Jochen Rueckert. O seu mais recente  álbum, pela TOAP, intitula-se “À espera do  Verão”.  (fonte: jazzportugal  )
+info: www.jazzportugal.ua.pt -  www.toapmusic.com

JAZZ DUO: Beatriz Portugal e Nuno Ferreira
A musicalidade de uma criativa e sábia guitarra dialoga com uma voz suave e plena de teatralidade. Numa crescente cumplicidade musical estes dois musicos reinterpretam clássicos de jazz trazendo-os de forma intimista para a partilha calorosa com o publico. Em palco, swing despido generosamente oferecido.

Alguns temas do repertório:
You’d be so nice to come home to
Soon
Isn´t it Romantic
There will never be another you
Do nothing till you hear from me
All or nothing at all
I´ll be seeing you
I fall in love too easily
It´s all right with me
All of me
Everytime we say goodbye
Stella By Starlight
Tenderly
My Funny Valentine
All the things you are
Gentle rain
Samba e Amor
Etc…

Sofia Vitória 4teto
Resulta do encontro do pianista Júlio Resende com a cantora Sofia Vitória, a quem se juntam João Custódio, no contrabaixo, e Bruno Pedroso, na bateria. Desde Agosto de 2007, esta formação tem exibido e feito arranjos originais de temas de autores como Richard Rodgers e Lorenz Hart, José Afonso, Chico Buarque e Edu Lobo, Jule Styne e Sammy Cahn, George Gershwin, Billie Holiday, Tom Jobim, entre outros. Sofia Vitória é já uma notável intérprete da nova geração, e as canções ganham, de facto, outra alma na sua voz!

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Inauguração com leitura de poesia do José Tolentino Mendonça por Joana Seixas

tudo podia | já que | os anjos do vento desenham na água | o fulgor inesperado do teu gesto
[José Tolentino Mendonça, Os dias contados, 1990]

O environment criado para este objecto, em texto, parte da leitura de um poema de José Tolentino Mendonça visitado pelo cénico desenho que me contemplou a coreografia do mar, quando na subida das marés, estas, vestem as praias de areia negra na costa basáltica da ilha (Funchal, 2005).
Num tempo primeiro, e para resultar em livro, os aqui autores (na comunhão atlântica que originariamente os cruza) formularam um diálogo operático, onde o texto e a imagem se reencontram numa física enunciação aquática.
Formulada uma esculturalidade para a condição de objecto-livro que agora se opera em “Valsamar” (2005-2010), resulta o performativo objecto, parte integrante de uma continuada plástica latente. Uma arte natura. Toda uma convulsiva visualidade que, na confiança da palavra, de novo ousa-se fazer gerar.

O Branco_Negro como Confiança

Uma leitura sobre a mística do objecto-mundo, do lugar presente, transporta o sentido para o que o precede enquanto condição de objecto, mas ainda o seu sujeito; o eu que o habita ou ancora.
Na arte do objecto, cumpre-nos sinalizar que a consciência de uma objectualidade singular do eu e seus envolventes, obriga o não eu e as suas comungantes procuras no sentido da elaboração de uma auto-identidade, pois esta advém da criatividade como construção da confiança. Uma existência humana segura. Essa advogada pela “confiança criativa” enunciada por Giddens.
É também essa confiança que nos elabora, por implícito reflexo, os medos. O medo da perda, e até o do perder da própria vida (o branco versus negro; o “preSente/auSente”). Mas é este um medo propulsor; alimento da criação. Um medo da morte, estruturante.
É assim, na apreciação das rotinas adquiridas que surge o motor condutor da observação operacional, o que me obrigou a zelar pela construção de um espaço laboratorial constante no fazer da arte.

Enunciando a importância da segurança e confiança ontológicas, onde os saberes das experiências de Garfinkel com a linguagem corrente ganham um lícito relevo, vemos como elas se ligam às características elementares da existência humana, e de como a consciência prática resulta tão fortemente como âncora cognitiva e emotiva dos sentimentos de segurança ontológica. Não é contudo de menor relevo a importância despertada pelos contributos de Winnicott. Por sua vez, Erikson definiu-a como “confiança básica”, no contexto do “espaço potencial” e dos “objectos transitivos” tomados como factores de real importância numa disciplina de rotina (“Obgesto”).
O estabelecimento de “confiança básica” é a condição para a elaboração da auto-identidade. Também a criatividade está ligada à confiança (“Manhãs Raízes”).

A confiança em si, pela sua natureza, é em certo sentido criativa, porque implica um compromisso que é um “salto para o desconhecido”, mas confiar obriga também encarar a possibilidade de perda. E daí a revelação do medo da perda que é, em si, um gerador do esforço consequente (“TrAdição, Traição”).

Estas realidades orientam-nos para a consciência de que um envolvimento criativo com os outros, e com o objecto-mundo, resulta numa componente fundamental de satisfação psicológica, e da descoberta de “significado moral”, ou seja: a noção de que a experiência da criatividade como fenómeno de rotina é um ornato básico para um sentimento de valor pessoal e, logo, para a saúde psicológica do ser em manifesto (“Escravos”).
Toda esta busca fundamental é produzida na formulação daquela que se tornou a minha pessoal actividade artística, enquanto agente de auto-conhecimento e de superação. Nunca de dimensão fágica, mas de vivenciação convocando lugar evocativo e comunhão (“Alma/Frame/Florigen”).
Parte-se então de uma condição, a de que o processo criador “é uma emergência na acção de um novo produto relacional que provém da natureza única do indivíduo, por um lado, e dos materiais, acontecimentos, pessoas ou circunstâncias da sua vida, por outro” (C. Rogers).

A noção de espaço potencial foi criada por Winnicott a partir dos seus estudos sobre o desenvolvimento da pessoa desde os seus dias primeiros.
No jogo da relação mãe-filho, o bébé goza de um sentimento de omnipotência dada a satisfação de necessidades que a mãe lhe contempla, e assim, ele sente-se fundido com ela, como um ser único. Mas a evolução da criança obriga à separação, levando-a a considerar a mãe como outro. Aí nasce a primeira consciência do outro, mas também do espaço que surge na distanciação entre ele e a mãe.
É nesse espaço, denominado “espaço intermediário de ilusão”, ou espaço potencial, que a criança irá recorrer ao seu próprio corpo, ou a objectos do exterior para preencher o vazio na falta da mãe. Esses objectos, sobre os quais a criança investe com grande força afectiva, ganham um valor simbólico de substitutos da própria mãe.
A esses objectos Winnicott chamou de “objectos transitivos” integrando um espaço de ilusão que está no início da experiência.
A transitoriedade destes objectos, substitutos simbólicos da mãe, conduzem a que a criança, mais tarde, venha a abandoná-los logo que se encontre confiante e adaptada a novos ambientes — na posse de novos ganhos. Assim, as aquisições fundamentais feitas neste período de desenvolvimento, vão conduzir a que esse espaço potencial persista com valor criativo no próprio adulto sob várias formas — fenómenos transitivos — como os mitos culturais, o trabalho criativo ou as próprias artes.
O espaço potencial, essa área criativa privilegiada do jogo, é um espaço de eleição da aprendizagem habitado por objectos e fenómenos transitivos que podemos colher no domínio da memória, transfigurando o próprio objecto da memória com o fabrico da arte que procura, ao soletrar o corpo, uma transcendência de si, uma pós-elaboração dos seus lutos (“Algias, NostAlgias”).

Na construção da identidade que aí sucede, surge uma sucessão de perdas e ganhos que, por uma questão de equilíbrio psíquico, nos obriga a uma alternância entre o prazer e o desprazer, entre o real e o imaginário. É essa a razão porque tem de existir este espaço potencial, que nem é totalmente interno ou externo, mas sim, o verdadeiro espaço criativo, e que proporciona, na construção da experiência criativa, a exploração das linguagens do corpo — não verbal — os sinais corporais, que Ray Birdwhhistell criou para os definir como quinestésicos. Temos portanto uma experiênciação onde se desenvolve uma comunicação interpessoal particular através dos denominados meta-sinais (sendo esses, também, os referentes de desenho que enunciam o meu registo-memória editável no objecto-arte), e que assim, formulam uma relação espaço-ponte entre o eu e o outro (“Amant Alterna Camenae”).
A criação como soltura e expansão do eu, é um transporte do eu para o outro obrigando a que o objecto-manifesto resulte inteligível para o outro; “mais inteligível que entendível” (Duchamp).
Apropriamo-nos de uma obra, para nós arte, na dinâmica de uma proxémica latente, essa admiração ganha pelo acto contemplativo.
É neste ganho cúmplice que surge a pertença do objecto como arte, pela razão e condução do “inteligível” sensorial e para além das balizas semânticas, pois a poesia não é proibição mas soltura. É uma disponibilidade (“Muro da Razão”).
Elege-se assim o objecto poético como convulsivo aspirante de ganho e sedução. De entrega. De acto emissor onde a mensagem é volátil e a sedução um ganho. Uma comunhão na procura do desenho para uma dimensão do sublime; uma ânsia de criar a “imagem das imagens”. Divina. Pois como dizia Feuerbach “a imagem de Deus é a imagem das imagens” (“Caules do Silêncio”).
Mas será a sedução uma sorte? Há um provérbio sueco que diz que “a sorte não dá, apenas empresta”. A sorte em si é sempre insuficiente, obrigando a que, num percurso de obra, surja um labor a agir na procura constante, num infindável caminho de dúvidas e incertezas que a arte, a poesia, fazem incorporar numa persistente “dúVida”, muito convulsiva, como referia Óscar Wilde ao dizer que “o ser artista, é errar repetidamente como ninguém mais consegue errar”. É procurar assim o lugar da arte, não como um fim-de-caminho, mas um princípio contaminante, uma larga paisagem de oportunidades e abismos, um lugar sem certezas, pois “viver sem certezas é uma força, e não uma fraqueza” (G. Steiner). Um ancoradouro eventual — nunca conventual — na nossa navegação e norte, mas sempre numa procura da verdade do sujeito. Não uma sorte. Nunca a arte em si. Até porque a arte é também como a sorte. A arte não dá, apenas empresta.

Nesta convulsiva reabilitação da escrita, programo o objecto para o ser, e o seu contrário. Assim em “Verdade”, o objecto conjuga a dicotomia: Ver dade (verdade) e ign Orar (ignorar), como objecto de compromisso do sujeito.
“Dizer que a linguagem é a razão do sujeito, e que por este motivo um inconsciente estruturado como uma linguagem, determina a sua natureza até no facto de que esta se lhe escapa, é ligar o sujeito não mais apenas à verdade, mas, em primeiro lugar, à ilusão. O sujeito não é mais o autor, ou o destinatário privilegiado da verdade, mas é simplesmente o seu lugar” (Lacan), sendo, em suma, neste desígnio lacaniana que a progestualidade se nutre.

O Gesto como Objecto do Conceito.

Presume-se o progesto, como um acto performativo em que a ideia operativa ganha vivenciação participada, e o produto da acção permite um efeito consequente. Testemunhado.
Resulta aqui um exercício da iniciação do facto artístico, o qual, não se obriga conclusivo, ou encerrado em si próprio, mas sinérgico e galvanizador de novas buscas e ganhos [work in progress].
É um processo dinâmico e exploratório da condição sensorial do corpo, habitando o espaço socialmente comprometido. Intervencionando‑o. Transfigurando-o. E onde o acto comunicacional eleito pretende afirmar uma dimensão da transcendência dos seus limites. O ser poético. O artor.
O progesto coloca o acto artístico no sentido da desconstrução (modo de interpretação que não considera a obra como uma unidade acabada, mas como um conjunto dos mais diversos elementos formais e significantes, e que põe em evidência as suas funções e as suas contradições). Advoga ainda este enunciado, uma atitude pós-estruturalista onde se supõe que os sistemas de signos são sempre dinâmicos e sujeitos a modificações.
Analisando então a consciência conceptual referida como progestualidade, apercebemo-nos que esta convoca a condição artoral (“Artitude:01″).
Temos em artor uma forma de designar, de modo mais cómodo, aqueles para quem o sentido da actividade artística sofreu uma mutação tão completa que não os podemos considerar como artistas no restrito sentido do termo. Esta condição obriga a encontrar novos meios que ultrapassem a velha oposição entre a arte e a vida, entre a obra e o objecto. É Robert Rauschenberg quem nos afirma: “o que me interessa é o que existe entre a arte e a vida”. Assim com os seus objectos e com os seus happenings, Rauschenberg e muitos outros criadores do seu tempo, passaram a instalar entre a arte e a vida paisagens, estabelecendo pontes, provocando curto‑circuitos, desafiando o possível.
São então premissas de um artor: libertar a arte do artístco; libertar os objectos do quotidiano, e colocar os objectos sob a luz da paixão fazendo com que se evadam da situação real‑paixão propondo aos objectos uma vida nova; fazendo-os passar do reino da necessidade para o reino da liberdade (liberdade = imaginário do acto).
“Buscando meios inéditos de intervenção e de decisão do mundo, o artor é o novo herói do nosso tempo” (Cage), pois se “para Stendhal ou para Baudelaire, a beleza é apenas promessa de felicidade, a actividade artoral é uma tentativa directa sem mais mediações” (J.C. Lambert). Um teatro do imediato, pois “já não é mais um tempo de ideias, mas sim de feitos e actos” (Bakunin).

São todos estes os elementos contributivos do objecto criativo, da realização da comunicação interpessoal, e da eleição da situação vivencial da arte integradora da vida como arte, e da arte como vida (Beuys).
É nesta apropriação dos objectos que se resolvem a partir da sua transitividade, como ainda de um libertar das palavras, que formulo rosto para uma pretensa identidade de arte, na consciência de que: ler o poema é o vulto anseio do esperar alguém no desconhecido; ser o poema é viver “o dia perfeito” (como insígnia enunciatória de uma arte performance).
É no desígnio destas artitudes que proclamo os objectos como “teclas”, objectos-atitudes gerados numa transitividade cúmplice com uma arte, também social, do acaso social e da sua busca de poesia, pois o “poeta utiliza as coisas e as palavras como teclas e toda a poesia repousa sobre uma activa associação de ideias — uma espontânea, deliberada e ideal produção do acaso” (Novalis).

O ímpeto do artista como o “inabsorvível da alma”, enunciado por Sena, é uma lucidez, uma lucidez perigosa transportada na constância do (também meu) percurso de procura. Trabalho a lucidez perigosa, a que convoca a imagética da palavra como objecto e como lugar de habitação — a casa, la cueva (na dimensão mediterrânica do espaço incubador, esse colhido ao interior da natureza em busca de íntimo e lucidez).
A arte traz transcendência à lucidez. É um norte para o etéreo e o divinizante que o imaginário encena em busca do ser poesia. Uma poesia sustentada pelo saber que “a poesia é o verdadeiro real absoluto, quanto mais poético mais verdadeiro” (Novalis), e quanto mais verdadeiro mais etéreo (“Verdade, IgnOrar”).
De certo modo, é na convergência desta constelação de latências que os meus objectos encontram a sua territorialidade, alertando que “não tenho nada para dizer, apenas para mostar” (Walter Benjamin).
Vulgares objectos então votados a uma causa racional estruturante, pois “só o racional é o verdadeiro e o real” (Feuerbach).
Objectos de propósito situacionista — essa porta de Debord, evocatória de uma social missão interventiva. De luz no braço.

António Barros
Com Ana Hatherly, E. M. de Melo e Castro, Salette Tavares, António Aragão, Silvestre Pestana, Alberto Pimenta e Liberto Cruz, integrou o “Visualismo Português, Anos 60-80″. Trabalhou com Wollf Vostell no Vostell Fluxus Zug Kunst Akademie em Leverkusen, e com R. Murray Schafer da Simon Fraser University.
Estudou na Facultat de Belles Arts, Universitat de Barcelona e na Universidade de Coimbra onde é Director de Imagem.
É autor da escultura Prémio de Estudos Fílmicos Universidade de Coimbra com que foram laureados Alain Resnais, Manoel de Oliveira e João Bénard da Costa.
A sua obra inscreve as colecções da Fundação de Serralves, Museo Vostell Malpartida, Museu de Arte Contemporânea Fortaleza de São Tiago e Fundação Archivo Cavellini em Bréscia.
Apresentou a sua produção artística em galerias como: Joan Prats, Barcelona; Quadrum e Diferença, Lisboa; Canvas e Casa das Artes, Porto; assim como no Museu Serralves; Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão – Fundação Calouste Gulbenkian; Galeria Nacional de Arte Moderna; Sociedade Nacional de Belas Artes; Centro Cultural de Belém; Museu de Arte Contemporânea de São Paulo; 3º Festival International de Poesie de Cogolin; 1ª Bienal International de Poesia Visual y Experimental en México; Alternativa Zero; Po.Ex.80; SACOM 2; Arteder 82; XVI Bienal de São Paulo e XII Biennale de Paris.
Integrou as comunidades artísticas Círculo de Artes Plásticas da Academia de Coimbra e Diferença Comunicação Visual, em Lisboa, com José Ernesto de Sousa e Alberto Carneiro.
Criou e dirigiu o Artitude: 01 (laboratório que increveu Isabel Carlos, Rui Orfão, João Torres, Isabel Pinto e José Louro), projecto performativo de revista, promotor do Simposium Projectos & Progestos na Universidade de Coimbra, e que apresentou a obra de artistas como: James Coleman, Nigel Rolfe, Julian Maynard Smith, Alistair McLennan, Erna Nijman, Peter Trachsel, Ernst Thoma, Plassum Harel, Franck Na, Ken Gill, The Basement Group e The Stathion House Opera.
Curadoria e Direcção Artística de diferentes programas como Alquimias, dos Pensamentos das Artes; A Arte das Ideias, As Ideias da Arte; Novas Tendências na Arte Portuguesa/Poesia Visual Portuguesa; Califa, Tempo de Cultura; Via Latina, Círculo Branco num Quadrado Negro, Círculo Negro num Quadrado Branco, uma Pintura de Malevitch; Companhia da Lua e ARexploratóriodasartes.
Direcção plástica de obras cénicas, onde trabalhou para o Centro de Investigação e Movimento com Paula Massano, António Pinto Ribeiro e Carlos Zingaro, assim como Margarida Bettencourt e Francisco Camacho no domínio da imagem para Dança; e na Cenografia para Teatro em trabalhos com direcção como a de Rogério de Carvalho, Paulo Filipe, José Caldas, Mário Barradas e Paulo Castro.
Direcção artística e dramatização de textos de autores como Maria Gabriela Llansol, Mário Henrique Leiria, Jacques Prévert e Roland Barthes. Integrou a Direcção do Teatro Académico de Gil Vicente da Universidade de Coimbra; a do Círculo de Artes Plásticas da Academia de Coimbra; e o Conselho Consultivo de Lugar Comum, Espaço Experimental do Clube Português de Artes e Ideias, Lisboa.
Textos e ensaios no domínio da Arte Contemporânea como: O Abandono do Ego, P&P e a Música Contemporânea, Elementos para uma Leitura da Música de John Cage; Piano Piano Se Va Lontano,12 Reflexões Sobre o Piano Numa Perspectiva da Música Fluxus; VideOporto, O Video Como Forma de Arte; Projectos & Progestos, Prolegómenos da Arte Pública; Um Voo em Círculo Antes da Morte; Depois de A Vocação do Medo; Geração Black Cube e Cores ou o Trabalho do Conceito.
Mais informação em: http://whatiswatt.org/

Barco-Dragão

Imagens do evento

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Barco tradicional chinês associado a um desporto de grupo, muito apelativo, praticado em vários países do mundo. Surgiu em Portugal, pela primeira vez na cidade do Porto em 1993, inserido na semana de Macau. Posteriormente, com a Expo 98 vieram para Portugal 10 barcos, por iniciativa do pavilhão de Macau, tendo cinco deles sido entregues no final do evento à Associação Naval Amorense (A.N.A.) e os restantes cinco doados à mesma associação, no ano de 2009, pela Administração do Porto de Lisboa, tendo sido objecto de uma acção de recuperação devido ao mau estado de conservação em que se encontravam.

Os barcos-dragão apresentam-se em fibra de vidro (actualmente fabricam-se no estrangeiro em fibra de carbono por serem muito leves). Têm 12 m de comprimento por 1,20 m de boca e pesam cerca de 350 kg. Ostentam nas extremidades da proa e da popa, respectivamente, uma cabeça e uma cauda de dragão. Junto à proa leva um tambor de grande dimensão onde o “tamboreiro” vai marcando a cadência das remadas. Junto à cauda do dragão há uma adaptação metálica onde encaixa um remo comprido que serve de leme da embarcação e onde vai o “timoneiro”, ou seja a pessoa que conduz a embarcação. Tem uma tripulação máxima de 22 atletas, constituído por 20 remadores, um timoneiro (indivíduo do leme) e um tocador de tambor.

Histórico

Contam-se algumas histórias ligadas aos Barcos-Dragão cuja origem remonta a cerca de 2.400 anos. O desporto com o mesmo nome está hoje espalhado pelos quatro cantos do mundo.

Numa China dividida em pequenos reinos, decorria o período dos “Sete Reinos Combatentes” (475-221 A.C.). Na corte do imperador Huai, onde abundava a intriga e a corrupção, havia um poeta e ministro chinês chamado Qu Yuan, homem sábio e com um passado de luta contra a corrupção. Se a sua cruzada anti-corrupção lhe granjeou a admiração e o respeito do povo, gerou, por outro lado, um ambiente inamistoso junto dos burocratas corruptos, que tudo fizeram para convencer o imperador a exilá-lo.

O exílio e todas as restrições inerentes àquela condição, desgastaram psicologicamente Qu Yuan que quando soube que a mãe pátria, o reino Chu, havia sido derrotado pelo forte reino Qin, ficou desesperado e decidiu por termo à vida, atirando-se ao Rio Mi Lo.

De acordo com a lenda, os pescadores locais sabendo do seu afogamento, mobilizaram-se para tentar recuperar o seu corpo. Para evitar que os seus restos mortais fossem comidos pelos peixes, tocavam os tambores e batiam com as pás dos remos na água. Entretanto iam atirando arroz ao rio para saciar os monstros marinhos.

Desde o trágico desaparecimento de Qu Yuan que o acontecimento tem sido, ao longo dos séculos, reconstituído na China no aniversário da sua morte – quinto dia do quinto mês lunar – através dos festivais de Barcos Dragão. Actualmente, estes barcos estão presentes em regatas pelos cinco continentes, honrando os ideais em vida do malogrado Qu Yuan.

ORGANIZAÇÃO
Câmara Municipal de Coimbra, Fundação Inês de Castro/Festival das Artes e Associação Naval Amorense

HAYDN – Quarteto para 2 violinos, viola e violoncelo, em ré maior, op.50 no6, A rã – 1787
SCHUBERT – Quinteto para piano, violino, viola, violoncelo e contrabaixo, em lá maior, D667, A truta – 1819 (a)

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Quarteto de Cordas de Matosinhos
Pedro Burmester (a)
António Augusto Aguiar (a)

Reunião, num mesmo concerto, de duas obras, cujos títulos identificam habitantes do ecosistema ribeirinho, para além de serem obras simultaneamente de grande qualidade e de directo apelo sobre o público: a “Rã” de Haydn e “A truta” de Schubert.

A rã e a truta são espécies que, pelo seu habitat, pretextam (com algum oportunismo, pois) programar, para um festival cujo mote é a água, duas obras do reportório da chamada música de câmara que as evocam. A sugestão sonora do coaxar das rãs no último andamento do quarteto de Haydn, valeu-lhe o título que, a partir do século XIX, lhe foi aposto pelos editores. Mais explícita é a presença da truta, nas variações do quarto e penúltimo andamento do quinteto de Schubert, sobre um tema que tinha sido inventado pelo compositor para o lied “A Truta”, anteriormente escrito sobre um poema de Schubart. Assim se constituindo uma presença piscícola insólita na história da música, tanto quanto o foi a substituição de segundo violino por um contrabaixo na tradicional constituição do quarteto de cordas.

Entre os 77 quartetos para cordas (2 violinos, 1 viola e 1 violoncelo) escritos por Joseph Haydn (1732-1809) entre 1764 e 1803, o que foi rotulado no século XIX de “a rã”, integra a op.50 publicada em 1787, que segundo alguns comentadores é o conjunto mais ascético e rigorosamente arquitecturado de todos os que publicou. A designação de “a rã” decorre do uso, no último andamento, da bariolage (em termos simplistas, uma técnica da escrita para cordas que consiste na rápida alternância entre uma nota fixa e notas variáveis), a qual sugere o coaxar do cantante batráquio.

Mais explícita é a presença da truta no 4º andamento do quinteto que Franz Schubert (1797-1828) escreve, em 1819, para a insólita reunião de um piano, um violino, uma viola, um violoncelo e … um contrabaixo (na realidade, esta composição instrumental já tinha sido usada, pelo menos, por Johann Nepomuk Hummel (1778-1837) no “Grande Quintour” sua op.87. Neste penúltimo andamento do seu quinteto, Schubert oferece um conjunto de 6 variações sobre o tema que inventara, uns 2 anos antes, para o “lied” “A truta” sobre poema de Christian Schubart. Para além do engenho das variações a inspiração melódica e rítmica de Schubert percorre toda a obra, sendo impossível discordar de Alfred Einstein, um dos mais perspicazes analistas da obra do compositor, quando afirma; “O Schubert deste quinteto não é o grande Schubert mas aquele que não podemos deixar de amar.”

Pedro Burmester iniciou a sua actividade concertística aos 10 anos. Realizou mais de 1000 concertos a solo, com orquestra e em formações de música de câmara. Participou em inúmeros festivais de música, em Portugal e no estrangeiro. Colaborou com os maestros Manuel Ivo Cruz, Álvaro Cassuto, Omri Hadari, Muhai Tang, Lothar Zagrosek, entre outros. Mantém há dez anos um duo com Mário Laginha e actua regularmente com Gerardo Ribeiro, Thomas Zehetmair, Anner Bylsma, Paulo Gaio Lima e António Saiote.
A sua discografia inclui CDs a solo com obras de Bach, Schumann, Schubert e Chopin, um CD em duo com Mário Laginha, gravações com a Orquestra Metropolitana de Lisboa, as dez sonatas para violino e piano de Beethoven com Gerardo Ribeiro e o CD e DVD 3 Pianos, gravado ao vivo no CCB com Bernardo Sassetti e Mário Laginha.
Foi Director Artístico e de Educação na Casa da Música, projecto que ajudou a criar e a implementar. Além da sua actividade artística, é professor na ESMAE, no Porto, na Academia de Música de Espinho e nas Universidades de Aveiro e Évora.

O Quarteto de Cordas de Matosinhos é constituído por Vitor Vieira e Juan Maggiorani (violinos), Jorge Alves (viola) e Marco Pereira (violoncelo). Após ser premiado, em 2004, no concurso Prémios Jovens Músicos, o quarteto apresentou-se na Fundação Calouste Gulbenkian, Festival de Música de Sintra e Casa da Música.
Com uma temporada regular de concertos, o Quarteto está a desenvolver o projecto das integrais dos quartetos de Haydn, Mozart e Mendelssohn, bem como tem encomendado e estreado obras de compositores portugueses. Realizou concertos nos Dias da Música do CCB, Festival de Música Viva e nos Festivais de Música de Espinho e Póvoa de Varzim.
António Augusto Aguiar é solista do Remix Ensemble desde 2000 e integra o grupo Camerata Senza Misura. Graduou-se em 2000 com o Mestrado em Performance na Royal Academy of Music. Foi contrabaixista da Orquestra de Jazz de Matosinhos. É professor na Escola Superior de Música e das Artes do Espectáculo e, actualmente, desenvolve o seu trabalho de doutoramento na Universidade de Aveiro.

Imagens do ecento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

DE PROFUNDIS Premiado criador de Banda Desenhada, Miguelanxo Prado tem também uma larga experiência no campo do cinema de animação, que culminou com o filme De Profundis, “um poema visual e musical” de 75 minutos, como o próprio realizador o definiu. Dirigido por Miguelanxo Prado, com música de Nani Garcia, numa produção ibérica conjunta, conta com a produtora portuguesa Zeppelin Filmes como um dos parceiros. “Homenagem ao mar, nossa reserva de vida e esperança e símbolo dos nossos pesadelos e sonhos”, nas palavras de Prado, De Profundis dá vida e movimento a uma série de pinturas a óleo criadas pelo desenhador e realizador galego. São essas belíssimas ilustrações, acompanhadas por esboços e estudos preparatórios, que o coro alto da igreja do Mosteiro de Santa Clara-a-Velha acolhe no âmbito de uma exposição integrada no 2o Festival das Artes.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Projecção de vídeo; duração 0h47. Horário de abertura ao público: Terça-feira a Domingo, 10h00-19h00 (entrada até às 18h15).  Hora de projecção: 11h00 e 15h00. Até 1 de Agosto.

Curtas Sobre a Água: Messages
CINEASTAS PORTUGUESES
PRODUÇÃO
DuplaCena Programa Cultural da Participação Portuguesa na Expo Zaragoza 2008
COMISSARIADO POR
António Câmara Manuel
CONCEITO
Alberto Lopes
DIRECÇÃO TÉCNICA
Alexandre Coelho
REALIZADO POR
Sara Vizinho, Petar Toskovic, Tiago Pereira, André Gonçalves, André Godinho, Cláudia Varejão, Elsa Aleluia, Nuno Madeira, David La Rua, Sofia Arriscado, Pedro Sena Nunes, Miguel Bonneville, Miguel Gonçalves Mendes

No âmbito da Expo Zaragoza 2008, foram convidados 11 jovens artistas portugueses cujo trabalho se estabeleceu já no século XXI. Messages é a recolha de ideias que inclui os temas da Expo Zaragoza 2008 (Água Fonte de Vida, A Água e as suas Paisagens, A Água e o Encontro Humano, Água, Recurso Partilhado) que resulta numa obra unificada na sua homogeneidade geracional, diferenciando-se na expressão artística e estética.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Fotografias: MPR @ Festival das Artes 2010

ORGANIZAÇÃO
CMC Departamento de Cultura/ Divisão de Acção Cultural e Festival das Artes

Percurso pedonal por artérias menos exploradas da Alta Coimbrã, promovendo e valorizando o património local com destaque para o contexto histórico, arquitectónico e sócio-cultural da cidade. Ao percurso juntam-se apontamentos cénicos específicos sobre personalidades literárias ligadas à cidade e antigos estudantes, com destaque para Eça de Queirós, António Nobre e Miguel Torga.

PRODUÇÃO ARTÍSTICA
Casa da Esquina.
CRIAÇÃO E INTERPRETAÇÃO
Ricardo Correia, Helena Freitas e Carlos Marques
INTERVENÇÃO PLÁSTICA
Filipa Alves

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

LEONOR NAZARÉ nasceu em Caldas da Rainha em 1963. Vive e trabalha em Lisboa. Foi professora entre 1985 e 1998, em Portugal e em França. É assessora de direcção e curadora no CAM, Gulbenkian, desde 1999.
É crítica de arte desde 1989: foi colaboradora permanente do jornal Expresso entre 89 e 97 e pontual, de algumas revistas de arte nacionais e estrangeiras; foi autora de cursos e conferências na área da arte contemporânea; assinou vários textos de catálogo, entrevistas e compilações de carácter enciclopédico nessa mesma área. É autora do livro Ângelo de Sousa, Ed. Caminho, 2005. Comissaria exposições de arte contemporânea desde 2000. Em 2004 integrou o corpo dirigente da secção portuguesa da AICA. Publicou três traduções literárias.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

A colecção BESart apresenta no Centro de Artes Visuais a exposição Imaginário da Paisagem que reúne 21 artistas nacionais e estrangeiros. A exposição apresenta cerca de meia centena de obras e compreende um arco temporal que recua até à década de oitenta do séc. XX, a mesma década em que foram criados os Encontros de Fotografia Coimbra que este ano celebram 30 anos.

O curador da exposição é João Silvério, curador da Colecção de Arte da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento e do projecto EMPTY CUBE desde 2007. É Mestre em Estudos Curatoriais pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, destacando-se, na sua actividade mais recente, as exposições 747.3 (exposição de André Sier, 2007), Stream (exposição na galeria White Box, Nova Iorque, EUA, 2007), Macha (exposição de André Gomes, 2007), Sinais, Corpo independente e Passagem (obras da Colecção da Fundação Luso-Americana para o Desenvolvimento, 2007), A Luz por Dentro (colecção da CGD, 2009) e Conspiração, Profecia e Utopia, exposição de Carlos Roque, 2009).

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

Uma selecção de trechos da Carta de Pêro Vaz de Caminha, lida por André Gago, com música improvisada de Carlos Barretto.
PRODUÇÃO – Teatro Instável

É trivial dizer que a Carta de Pero Vaz de Caminha, datada de 1 de Maio de 1500, é a “certidão de nascimento do Brasil”. E é generalizado o reconhecimento da importância histórico/geográfica e sociológica deste texto do passageiro da nau de Pedro Álvares Cabral que achou a terra onde nasceriam Machado de Assis, Jorge Amado, Chico Buarque e tantos outros mais. Mas, como muito bem alerta Jaime Cortesão, ainda não foi feita justiça à Carta como um clássico da literatura em língua portuguesa. É como contribuição para reparar essa injustiça que se programa esta leitura.

ANDRÉ GAGO
Fundador e director artístico do Teatro Instável, é actor, encenador e criador de espectáculos. Desenvolve uma actividade teatral na qual a improvisação e a máscara ocupam um lugar central. Criou uma pequena exposição itinerante a partir da sua colecção pessoal de máscaras portuguesas, que se tem apresentado em diversos pontos do país e do estrangeiro. Dá regularmente aulas de Técnica da Máscara, e estagiou por duas vezes com Ferrucio Soleri no Picolo Teatro di Milano. Dirigiu vários espectáculos, como A Gargalhada de Yorick (uma versão de Hamlet para dois actores), Adiós Muchachos-A Última Noite de Carlos Gardel (de José Jorge Letria), Os Portas (de John Godber), Acerca de Música (com Nicholas McNair), Recitália (com Marcantónio Del Carlo), Hamlet, Heterónimos, Pessoa (com Carlos Barretto), Hamlet, de William Shakespeare, e Lua!, espectáculo circense baseado no seu conto O Circo da Lua, que recebeu o Prémio Revelação da Associação Portuguesa de Escritores na modalidade de literatura para a infância e juventude. Adaptou Aquilino Ribeiro para as Marionetas de Lisboa e Jorge de Sena para o Teatro do Triângulo.

CARLOS BARRETTO
Depois de ter concluído o curso do Conservatório Nacional de Música de Lisboa, residiu em Viena de Áustria (1980-1982), a fim de se especializar na música erudita, onde estudou com Ludwig Streischer, um dos grandes mestres mundiais do contrabaixo. Decide dedicar a sua carreira profissional à música improvisada, residindo em Paris (1984-1993), cidade a partir da qual teve oportunidade de trabalhar com grandes nomes do Jazz, actuando nos mais prestigiados festivais por toda a França, Alemanha, Suíça, Bélgica, Holanda, entre outros. De regresso em Portugal em 1993, iniciou os seus projectos como líder e compositor, tendo gravado 8 Cd’s em nome próprio e colaborado em mais de vinte da autoria de Bernardo Sassetti, Carlos Martins, Bob Sands, George Cables, Mário Delgado, etc. e actuado em inúmeros festivais portugueses e europeus, sendo notória a evolução estética da sua música, desde o neo-bop até ao jazz europeu dos nossos dias. Em 2008 colabora pela primeira vez com o Teatro Instável, improvisando ao vivo no espectáculo “Hamlet, Heterónimos, Pessoa” sobre a poesia portuguesa influenciada pelos temas hamleteanos.

Imagens do evento:

Fotografias: Pedro Medeiros@ Festival das Artes 2010

MOZART Eine kleine Nachtmusik K.525 JOSÉ AFONSO (ARR. J. FIRMINO) Balada de Outono V. CASEIRO (ARR. E. CARRAPATOSO) Um Lago no Meio do Mar WAGNER Coro dos Peregrinos (de Tannhäuser) POPULAR (ARR. V. CASEIRO) Maria Faia J. NIZZA / J. CALVÁRIO Cantar de Emigração L. GOES / R. P. BRANCO Balada dos meus amores V. CASEIRO Mudança C. ORFF O Fortuna (de Carmina Burana) Orquestra Clássica do Centro Coro dos Antigos Orfeonistas da Universidade de Coimbra Direcção de Virgílio Caseiro
O Coro dos antigos orfeonistas é constituído por antigos estudantes da Universidade de Coimbra, estreou-se em Dezembro de 1980 como herdeiro da tradição do Orfeon Académico de Coimbra. Com dimensão musical e humanista, realizou já mais de seiscentos concertos, em Portugal e no estrangeiro. Editou um LP e cinco CDs. Com repertório ecléctico, os concertos, de sonoridade inconfundível,            incluem o Coro e o Grupo de Fados.	A Orquestra Clássica do Centro foi criada em 2001, em moldes profissionais e composta por 25 elementos, um projecto considerado de superior interesse cultural pelo Ministério da Cultura e, como tal, abrangido pela Lei do Mecenato Cultural. Tendo como maestro titular, desde a sua fundação, o dr. Virgílio Caseiro que a dirigirá neste concerto, a orquestra passou a ser constituída, desde 2002, por 32 elementos.
Anfiteatro Colina de Camões, Festival das Artes 2009

Não perca os destaques dos convidados e dos programadores do Festival das Artes!
Sintonize na rádio em :
Coimbra-  94.9 FM
Lisboa    -  95.7FM
Porto      -  96.7FM
Faro       -  88.9 FM
Ou online em : http://tv1.rtp.pt/antena1

Oiça aqui

Opção Turismo  de 22-06-2010

Turisver online de 19-06-2010

Ver site

Diário As Beiras, 03/06/2010
Ver pdf

À semelhança da edição anterior, este festival transversal dedicado às várias artes, volta a ter diversos ciclos temáticos, como Música, Palavra, Coreografia, Artes Plásticas, Teatro, Cinema, Património, Conferências, Esperança, Gastronomia e Vida, num total de mais de 42 eventos, a decorrerem maioritariamente na Quinta das Lágrimas, durante 15 dias seguidos.

Canela & Hortelã, 03/06/2010
Ver pdf

Presstur, 02/06/2010

Ver pdf

OS CICLOS DO FESTIVAL. São várias as áreas abordadas pelo festival. Os vários ciclos são Melómano, Cinéfilo, Da Palavra, Das Artes, Turístico, Gastronómico e, pela primeira vez este ano, o Da Água (inspirado pelo tema da água). Todos eles têm uma série de eventos associados que passam por espectáculos, projecção de filmes, exposições, jantares gourmet, debates e conferências.

ONDE SE REALIZA. Quase toda a programação vai ser apresentada no anfiteatro ao ar livre da Colina de Camões da Quinta das Lágrimas, com excepção das iniciativas que, por motivos óbvios, têm de realizar-se noutro tipo de espaços, como é o caso dos debates.

Hotel Quinta das Lágrimas, R. António Augusto Gonçalves, Coimbra. Tel. 239 802 380. www.quintadaslagrimas.pt

A água serve de inspiração a segunda edição do Festival das Artes, revelou hoje, 2, José Miguel Júdice, da Fundação Inês de Castro. Sob o tema “Águas Infindas”, o evento tem início no próximo dia 16 de Julho e prolongar-se-à até ao dia 1 de Agosto.

José Miguel Júdice confessou ainda que a iniciativa “pretende ser um festival de Coimbra”, logo, “coimbrã na verdadeira acepção da palavra”. O objectivo é tornar o festival “o melhor festival de artes ao ar livre em Portugal”, acrescenta o membro da Fundação Inês de Castro.

O “chef” espanhol, Santi Santamaria, a actriz Beatriz Batarda e a pianista japonesa Etsuko Hirosé são algumas das figuras de relevância nacional e internacional que marcam presença num festival “multidisciplinar” que pretende associar diversas artes – do cinema à gastronomia, do teatro à fotografia.

José Miguel Júdice realçou ainda o aumento do número de patrocinadores em relação ao ano passado (aumentou de 26 para 42 patrocinadores), assim como o maior investimento na promoção do evento.

“Elegância”, “exigência”, “harmonia” e “sinfonia” foram algumas das palavras utilizadas pela vereadora da Cultura da CMC, Maria José Azevedo dos Santos, para descrever um festival que considera “não ser um festival de artes”, mas sim, “o festival das artes”.

Depois das “transfigurações da noite”, da infinidade da água, José Miguel Júdice adianta que a paixão vai ser o tema orientador da edição do próximo ano do Festival das Artes.

A Cabra, Quarta, 02 de Junho de 2010, por Jonathan Costa

O Festival das Artes 2010, uma iniciativa organizada pela Fundação Inês de Castro, já tem data anunciada: de 16 de Julho a 1 de Agosto em Coimbra. A cidade ganha uma nova vida ao transformar-se num palco de incontornáveis manifestações artísticas, que ganharam forma e relação em torno da temática da Água.
A génese do festival, volta a estar evidenciada na diversidade da oferta e na simbiose identificada nas varias formas de arte apresentadas, composto por cerca de 42 eventos que interpretam a Água espelhada nos vários ciclos de arte, desde a música, ao teatro, ao cinema, à literatura, sem esquecer a gastronomia e o património.

“Num festival cuja programação se pretende ancorada em movimentos orbitais em torno de um tema comum – variável de ano para ano – a água, essa ocupante de 70% da superfície terrestre e constituinte de 70% do peso do nosso corpo, teria de ser, necessariamente, uma das mais apelativas sugestões para tema privilegiado do Festival das Artes e é, com naturalidade, o escolhido para a edição de 2010, depois de a noite ter sido o mote em 2009” conta Manuel Ivo Cruz, Presidente da Direcção do Festival das Artes.

A cerimonia de apresentação do Festival das Artes acontece hoje, dia 1 de Julho em Lisboa, pelas 18h30, no Museu da Água – Reservatório da Patriarcal, Praça do Príncipe Real, e ainda em Coimbra, no dia 2 de Julho, pelas 11h00, no Museu da Água. Ambas as cerimonias serão apresentadas pelo Professor Aníbal Pinto de Castro, Presidente da Fundação Inês de Castro, e por Nuno Antas de Campos, Presidente da Comissão Executiva do Festival das Artes.
“Nesta segunda edição do Festival das Artes que nos preparamos para apresentar, sentimos que a responsabilidade da Fundação Inês de Castro aumentou, face ao sucesso da primeira edição. Conscientes de que uma primeira edição o factor novidade é mobilizador, numa segunda será o factor qualidade que marcará o regresso do público português à cidade de Coimbra. E posso afirmar com grande satisfação que superamos a oferta do ano passado, em qualidade, empenho e numa programação verdadeiramente surpreendente”, afirma o Professor Aníbal Pinto de Castro, Presidente da Fundação Inês de Castro.

“Um festival que só tem sido possível pelo apoio generoso das empresas nacionais e locais que acreditam que a cultura é um elemento essencial do progresso de Portugal”, acrescenta o Presidente da Fundação Inês de Castro.

Entre a panóplia de iniciativas que foram preparadas, a edição do Festival das Artes 2010 arranca num fim da tarde com o ciclo da música e o espectáculo “Bem-vindos a Coimbra”, interpretado pela Orquestra Clássica do Centro. Seguido por uma das principais orquestas mundiais, Concerto Köln que interpreta “Ondulações barrocas”.

Pedro Burmester , António Pinho Vargas, Paulo Ribeiro, Bernardo Sassetti e José Bento dos Santos, são alguns dos nomes irão passar nos palcos do Festival das Artes 2010.

Sábado, 8 de Agosto, 22h30
Noite antiquíssima

Poesia de Álvaro de Campos

André Gago (voz)

Nicholas McNair (piano)

Sábado, 8 de Agosto, 21h15
Maurice Ravel: Miroirs

François Poulenc: 3 Nocturnes

Maurice Ravel: Le tombeau de Couperin

Alexandre Tharaud (piano)

Sábado, 25 de Julho, 22h30

Noite transfigurada

Luis Miguel Cintra

Sábado, 25 de Julho, 21h15
Obras de L. Couperin, Sainte-Colombee

Michel Lambert (“Leçons des Ténèbres”)

Ensemble Bella Maniera

Monique Zaneti (voz)

Sylvie Môquet (viola)

Dominique Serve (orgão)

Sábado, 18 de Julho, 21h15
Mendelssohn: Sonho de uma noite de Verão

Orquestra de Câmara Portuguesa

Coro Voces Caelestes

Solistas: Ana Quintans e Joana Seara

Melodramas por Beatriz Batarda

Direcção de Pedro Carneiro

Obras de Webern e Schönberg: Verklärte Nacht

Remix Ensemble

Noite transfigurada

Luis Miguel Cintra

Convento de Sta. Cruz – Centro de Música

Chantal Ackermann

Toute une nuit

Ana Luísa Barão

Sara Antónia Matos

Concepção de Joachim Korper

Animação: Música para oboé e violoncelo

A herança artística de Galileu

Jorge Calado

Noites no Harlem

Orquestra Jazz de Matosinhos

Narrativa: Maria Lúcia Lepecki

Poesia: José Carlos Seabra Pereira

Teatro: Paulo Eduardo Carvalho